One day he’s splicing together a mutilated corpse, the next day he’s picking up a Golden Lion. Such is life for Tim Burton, who briefly interrupts his post-production chores on “Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street” in London to wing to Venice to receive his latest award, on Sept. 5.

This Golden Lion honors a body of work, which in Burton’s case includes such contempo classics as “Batman,” “Edward Scissorhands,” “Ed Wood” and “Charlie and the Chocolate Factory.”

But at the moment, Burton has his hands full putting together not one but the many bodies strewn throughout the upcoming “Sweeney Todd,” which just happens to be his first stab at helming a musical.

Like almost any director in his position, he calls it “his favorite musical.” The difference with Burton is that he probably means it, since he doesn’t much care for tuners either onstage or onscreen.

“I do remember liking ‘Guys and Dolls,’” he recalls after much prodding. “In that one, they don’t burst into song. There’s a design in the language that fits together with the music and they work together. I don’t think that’s the case with a lot of musicals.”

And so “Sweeney Todd” really, really is Burton’s favorite musical, and he’s no stranger to it. “I saw it in London when it first played here. In fact, I saw it several nights in a row.”

For various reasons, he didn’t pursue it immediately as a film project: “Things happen and you drift into other things. But it is strange; I was looking at some sketches I did many years ago, and the sketches looked like Johnny and Helena in the film. Not that this would have happened several years ago. They weren’t old enough.”

Even today, Depp and Bonham Carter are a decade or two younger than most Sweeneys and Mrs. Lovetts who’ve trod the stage. Burton likes it that way, saying his two serial killers convey a “weird, faded hopefulness. It somehow clicked strongly for me.”

In legit chatrooms, aficionados of the original Stephen Sondheim/Hugh Wheeler tuner have voiced concern about the vocals of nonprofessional singers in the film version. These crix might get even testier when they learn that Burton very much likes that nonprofesh approach to Sondheim’s hallowed score. “When they talk and then sing, it is not two different things,” he says in praise of his actors’ perfs. “Hopefully, it feels of a piece.”

The late Beverly Sills once went so far as to call “Sweeney Todd” an opera. Intriguingly, Burton says that “it doesn’t seem like a musical,” much less an opera. “In fact, it’s like a silent movie with music. Like an old horror movie. The emotions come through. Johnny enjoyed that silent-actor style of acting. It was liberating.”

But it’s also “scary risky,” as he puts it. Here are two musical novices, Burton and Depp, bringing Sondheim’s masterpiece to the screen.

The helmer recalls telling the maestro not to worry: “I told Stephen: ‘I know Johnny. I know he wouldn’t say yes if he couldn’t do it.’ ”

Sondheim bought that argument, and Burton’s bet is that movie auds will, too, when “Sweeney Todd” is released later this year. “Everybody went on that faith,” he adds.

Il a l’amabilité de nous le faire parvenir et de nous proposer de le diffuser !

[...]Et aussi parce que je me suis un peu servi de ton site pour le réaliser, entre autres pour des éléments de biographie, pour la filmo et pour des citations par ci, par là. Tu es bien sûr cité dans mes sources.

Je ne l’ai pas (encore) lu complètement, mais il présente le réalisateur, met en relation sa carrière au cinéma avec sa vie professionelle film à film, et approfondit les films Beetlejuice et Corpse Bride (thématiques, etc etc).  Danny Elfman y est aussi présenté.

Le dossier fait 94 pages et semble très bien fait ! (sources présentes,etc -j’y suis crédité en tant que LACHANCE Gordie ).

Bref, ça vaut le détour !

La mort mise en scène au cinéma: Une réflexion à travers l’oeuvre de Tim Burton

Première/ Mars Attacks! est-il vraiment une parodie ?
Tim Burton / Il y a des éléments. C’est un patchwork d’idées. J’ai essayé de casser les clichés du genre.(Il rit.) J’ai grandi en regardant ce genre de films. Vous prévoyez le moment où les personnages sont prêts à débiter leurs tirades téléphonées. Vous reconnaissez les personnages types, comme le gars qui comprend tout, tout de suite. Le son, aussi, est important. Dans tous ces films de science-fiction, il y avait toujours ces sons idiots de rayons laser…

Ce n’était pas dur de vendre aux studios un film qui se moque de leur fond de commerce ?
Là, c’était facile parce que tous les acteurs avaient accepté le projet pour cette raison. A Hollywood, il y a tellement d’argent en jeu maintenant qu’on peut plus tuer les stars! Mais même les acteurs en ont marre!

Vous pensez avoir fait un film à la Ed Wood ?
J’avoue que je me suis laissé hanter par son esprit. Il était si enthousiaste. Et puis, ce genre de films a crée l’imagerie qui, quelles que soient les évolutions technologiques, restera l’essence même des films comme Mars Attacks! Ces images sont peut-être même plus fortes aujourd’hui qu’à l’époque. La technologie n’y change rien. Moi, je reste influencé et inspiré par des films comme L’invasion vient de Mars(Tobe Hooper, 85) qui dénotait un grand sens du design.

Vous vous considérez comme un outsider ?
Tout le monde, non ? C’est un sentiment assez commun. Une fois que ça vous tombe dessus, je ne crois pas que vous puissiez en sortir. Vrai ou pas, ça vous colle à la peau. Mais je ne tiens pas trop à m’analyser, sinon je deviendrais fou. Dans tout mes films, on retrouve ce thème de la perception de ce qui est “différent”. J’essaie toujours de ne pas juger, je trouve ça dangereux, mais j’ai toujours une opinion.

Pourquoi sabotez-vous toujours au générique le logo du studio ?
C’est juste pour les taquiner. Mais c’est gentil. C’est ma revanche. Ils me cherchent, ils me trouvent. Même s’ils sont plutôt bons avec moi. Evidemment, ça les fait un peut tiquer, mais ils sont tolérants. Je trouve ça assez sain.

Vos images sont extrêmement riches en détails…
C’est ce que j’adore dans la réalisation et ce qui me motive. Il y a une espèce de procédure standard à Hollywood qui consiste à immédiatement tout étaler à l’écran. Ca m’ennuie. J’aime cacher, que tout ne soit pas compris instantanément, qu’il reste plusieurs éléments à découvrir dans un plan. C’est ce qui donne au film un caractère mystérieux. C’est ça qui lui confère sa texture, sa beauté. Même si tout le monde ne voit pas tout, il suffit que le spectateur sente cette “texture”.

Que voulait dire Ed Wood quand il déclarait: “film-making is not about the tiny details. It’s about the big picture” (“un film ne se préoccupe pas des détails. C’est un tout”) ?
C’est un délire complet! Le producteur lui demande des comptes et il esquive par une réponse bidon. C’est comme les studios avec les réalisteurs. Quand vous vous lancez dans la réalisation, vous commencer à délirer, à créer votre propre monde totalement imaginaire. Ca arrive à tous, et à moi le premier. Vous vous immergez dans votre propre illusion, vous loupez tout ce qui se passe à l’extérieur. Je l’ai vécu. Et au moment où quelqu’un vient vous poser des questions, instinctivement, vous répondez n’importe quoi pour avoir la paix.

Ca vous arrive souvent ?
Oui. Naturellement, il m’est déjà difficile de garder les pieds sur terre. Alors, quand je réalise un film…L’irréel prend le pas sur le réel. Vous avez un tel pouvoir que vous êtes rapidement victime de la folie des grandeurs!

Spécialement sur des productions à 400 millions de francs comme Mars Attacks!
Oui et non. Sur une aussi grosse production, tant de trucs peuvent mal tourner que vous ne pouvez pas vous permettre d’être totalement fou et égocentrique. Quoique…j’en connais certains. Pour moi, c’est plutôt un garde-fou. (Il s’excite en rigolant) Dans Ed Wood, la scène avec la pieuvre, je dis: “Ok, action!” et l’acteur répond; “Fuck you! Viens-y toi, dans la mare!” Bon, ok, ça peut m’arriver…

Vous donnez beaucoup d’indications aux acteurs ?
On touche là au rôle décisif du casting. Quand j’ai demandé à Martin Landau de jouer dans Ed Wood, je savais qu’il comprendrait vite; il a vécu le type de carrière de Bela Lugosi, avec des hauts et des bas. Je me renseigne personnellement sur le passé des acteurs avant de les choisir. Mais je préfère, quand je peux, rester flou dans mes conversations avec eux. Avec Johnny Depp, sur Edward aux mains d’argent, nous parlions de chiens! Certains acteurs vous disent: “Ok, je le joue comme Gary Cooper.” Mais moi, je ne veux pas de références. Mars Attacks!, par exemple, s’appuie entièrement sur une ribambelle de films bizarres de SF, mais je n’ai jamais suggéré à personne de jouer comme dans La Planète interdite! J’essaie d’utiliser des références plus abstraites. Je détesterais qu’on trouve un emprunt dans un de mes films.

Mars Attacks! a été un bide aux Etats-Unis…(36 M$ en fin de carrière). Ca vous pose un problème ?
Je ne sais jamais pourquoi mes films marchent ou pas. Si je le savais, je serais l’homme le plus riche du monde. J’ai choisi le cinéma parce qu’il offre différents niveaux de compréhension au spectateur. Ce qui me contrarierait, ce serait que personne ne comprenne plus rien à ce que je montre. Mais que certains comprennent aux prix de l’incompréhension des autres ne me dérange pas. Jusqu’à présent, j’ai eut la chance d’avoir pour moi assez de personnes de la première catégorie…

Le triomphe d’Independance Day a-t-il eu une influence sur votre film ?
Sûrement sur le public. Certainement pas sur moi ni sur ma réalisation. En fait, je n’ai pas été le voir. Je ne vais jamais au cinéma pendant que je tourne. Quand je travaille sur un film, je ne veux être influencé par absolument rien, que ça ait à voir ou pas avec mon film.

D’où vient cette “humeur” qu’on retrouve dans vos films ?
De mon enfance, je crois. J’ai grandi dans une banlieue américaine (Burbank) qui est plus grise que ce qu’on en présente? Je suis de la génération des années 50, de la famille et de l’ère nucléaire: tout le monde doit être heureux et avoir 2,5 enfants… Tout était censé aller pour le mieux mais ce n’était pas la réalité. C’est pourquoi j’aime autant montrer que les choses ne sont pas ce qu’elles semblent être. Notre cité a tendance à catégoriser. Or, on n’a pas une force sans sa contre-force. Dans Mars Attacks!, les martiens étaient la force qui mettaient en évidence cette tendance à la catégorisation. En ce sens, la guerre du Golfe était typique: elle avait son hymne, son propre code visuel, son logo, son propre titre! Les choses ne sont pas si lisses. Dans mon film, tous ceux qui meurent sont ceux qui pensent avoir tout compris sur les Martiens. Et ceux qui ne dressent pas de profils types des Martiens s’en sortent.

Vous vous considérez comme un intellectuel ?
Je suis un gosse de la télé. Mes références philosophiques sont plutôt ( il rit) les Beverly Hillbillies. C’est malheureux…

Que pensez-vous de la découverte d’une vie possible sur Mars ?
Les gens qui sont choqués par l’existence d’une vie sur une autre planète me fascinent. Comme ces types qui construisent leur maison à Malibu et s’effarent que l’océan ait pu l’emporter. Les gens ont vraiment des vues étroites. Ca m’étonne toujours quand tout le monde s”excite autant sur les phénomènes de l’univers parce que, bien evidemment, ça existe!

Vous avez vu des choses ?
Bien sûr. J’ai vu des trucs que je ne peux pas expliquer. A moins qu’un type ait réussi à balancer une assiette en carton 100 mètres plus haut que tout le monde!

Dans une Amérique de plus en plus “correcte”, on sent que vous êtes, vous, à deux doigts de déraper…
J’ai de plus en plus de difficulté à définir ce qui est “politiquement correct” aujourd’hui. On n’arrête pas de hurler sur ce qui est “incorrect” et, en même temps, regardez comment on vous présente les infos! Pour moi, c’est ce qu’il y a de plus dingue. On s’insurge contre la violence dans les films et, après, on vous présente la guerre comme une minisérie, comme une charmante petite chose. Pour moi, Mars Attacks! est certes une fiction, mais, au bout du compte, il est assez bizarrement réaliste dans notre monde complètement cinglé.

Mars Attacks! est bourré de vert et de rouge, les couleurs de Noël… Noël est très présent dans vos films…
Noël est un moment heureux mais c’est aussi le moment où les gens se suicident le plus! En Amérique, les gens associent “conte de fées” à “l’histoire joyeuse pour enfants”. En réalité, ces contes sont les histoires les plus sinistres que vous puissiez entendre. Ils se rapprochent davantage du film d’horreur. C’est pour ça que j’essaie toujours de montrer que les apparences sont trompeuses. Batman, le Pingouin…, ils ont tous cette double personnalité. Noël, c’est la lumière et c’est aussi l’obscurité, je dois avouer qu’à chaque fois qu’on m’a foutu sur les genoux du Père Noël quand j’étais gamin, j’étais terrifié! D’abord, c’est qui ce type, avec son gros nez rouge et son truc blanc ?

Une question stupide…
Ok! Réponse stupide…

Pensez-vous que Bill Clinton soit un extraterrestre ?
Ce n’est pas du tout une question stupide. Ce n’est peut-être pas un alien, mais plutôt un robot…En fait, je dirais que c’est un androïde d’une autre planète.

Le soir, lors de la cérémonie, avant la projection d’une nouvelle version en 3-D de “L’Etrange Noël de Mister Jack“, Johnny Depp et Tim Burton montent sur scène, le premier en smoking blanc et nœud papillon noir, le second dans son éternelle tenue sombre, tous les deux aussi ébouriffés. Le plus jeune remet à son mentor son lion d’honneur.

“Sweeney Todd”, avec un Johnny Depp héros tragique

Le matin, les festivaliers avaient pu découvrir, dans la Sala Grande du Lido, environ neuf minutes extraites de la dernière collaboration des deux hommes, leur sixième film commun, dont le cinéaste supervisait encore les finitions, “Sweeney Todd“, sous-titré: “The Demon Barber of Fleet Street”. Johnny Depp, vieilli, héros tragique à la pâle figure, dont la coiffure échevelée arbore une imposante mèche blanche, y apparaît comme un dandy sur le retour, sarcastique, sombre, obsédé par la mort et la vengeance. Helena Bonham Carter, gothique, blême, les yeux cernés, vieillie elle aussi, semble transie d’amour et d’admiration, poursuivant avec Depp l’idée fixe d’une revanche sur la société qui les a exclus et méprisés. Car ces deux êtres unis par le goût de l’obscurité et par une apparence à la fois désuète et décalée, se retrouvent ici dans la marge, isolés dans un refuge de poussière et de bois ancien, protégés par une lumière oscillant entre crépuscule et ténèbres: un vieux grenier les accueille, où la seconde a conservé — et rend au premier — les instruments qui ont fait sa gloire, des rasoirs magnifiques à la lame d’argent, un siège de barbier aux éclatants parements rouges sang.

Johnny Depp, habité, transporté, commence à chanter son “bras” retrouvé, bras vengeur, bras armé, bras virtuose, une lame de rasoir effilée à la main, comme s’il prolongeait, avec quinze années de plus, un surcroît de machiavélisme mais l’innocence et la candeur en moins, l’”Edward aux mains ciselées” qu’il fut autrefois pour Tim Burton, lors de leur premier film en duo. Il semblerait que le personnage d’Edward aux mains d’argent revienne amer et meurtri, après des années d’exil dans son antre obscure, pour faire de ses ciseaux et de ses lames les armes de sa vengeance contre la société qui l’a rejeté. La voix de Depp s’élève, bientôt accompagnée par celle de Bonham Carter, comme un chant mélodramatique rythmé par les notes d’une musique vigoureuse d’un opéra d’effroi. La caméra s’élève elle aussi, dans un mouvement d’ascension assez typique du style burtonien, quitte le grenier par une fenêtre, survole quelques instants une ville grise et miséreuse, gigantesque macrocosme industrieux, pour disparaître dans le lointain.

Qu’avons-nous vu? Sans doute l’ouverture de Sweeney Todd, la cérémonie des retrouvailles d’un couple frustré et vengeur qui fomente en chansons paranoïaques, mégalomanes et macabres, la plus sanglante des revanches. Pour saisir au mieux cet extrait qui garde un goût de pas assez, il faut opérer un flash back de plus de vingt-cinq ans, quand le jeune Tim Burton, à 21 ans, au Royal Drury Lane Theater de Londres, assiste fasciné, plusieurs soirs de suite, aux représentations de Sweeney Todd, le musical composé par Stephen Sondheim sur un livret de Hugh Wheeler. Cet “opéra macabre” fait une forte impression sur le jeune homme, encore apprenti animateur, au point qu’il esquissera, dès l’époque, quelques dessins des deux personnages principaux.

Vengeance dans l’Angleterre victorienne

L’histoire se déroule dans la Londres victorienne de la seconde moitié du XIXe siècle, où la société est coincée et puritaine, les juges aussi impitoyables que corrompus, les consommateurs friands de nouveautés soudaines et de sensations fortes. Benjamin Barker est un barbier à la mode. Son succès fait des jaloux, et le juge Turpin, corrompu par les rivaux de Barker, parvient à le faire injustement condamner à la prison, tandis que sa femme et sa fille lui sont enlevées par le magistrat tout puissant. Quand, bien des années plus tard, il s’évade de prison, Barker ne rêve que de vengeance et, à la recherche de ses femmes, revient s’établir à Londres sous un autre nom, Sweeney Todd. Grâce à madame Lovett, une cuisinière secrètement éprise de lui, il retrouve ses instruments et son échoppe, qu’elle a pieusement conservés. A leur manière, le barbier et la charcutière forgent un pacte pour se venger d’une société qui les a méprisés: lui tranchera la gorge de ses clients à la moralité douteuse, dont elle réceptionnera les corps par une trappe, et leur chair et leur sang serviront à la confection des boulettes qui fourreront les tourtes qu’elle vendra dans sa boutique. Bientôt ce commerce se fait florissant tandis que la machine médiatique s’emballe, et le tout Londres se précipite pour goûter aux friands à la viande, fameux, aussi abjects que délectables, à la saveur si particulière. Quand Sweeney Todd retrouve la trace de sa fille, il organise un piège afin de mettre à mort son bourreau, le juge Turpin. Il y parvient, mais meurt également, dans un règlement de compte qui tourne au carnage, seule sa fille survit.

Tim Burton caresse une première fois l’idée de se lancer dans ce musical macabre dans les années 90. Il y renonce et c’est Sam Mendes qui doit le tourner, avec Russel Crowe dans le rôle titre. Puis, en 2006, au moment où Burton repousse l’ambitieux projet de “Believe It or Not!“, avec Jim Carrey, “Sweeney Todd” redevient une priorité. Le seul problème est dès lors l’aspect musical du film, qui est à la fois un attrait pour Burton et une difficulté. Le cinéaste a certes toujours aimé les comédies musicales, et aussi bien “L’Etrange Noël de Mister Jack” que “Charlie et la chocolaterie” ont bien des aspects de films musicaux, mais “Sweeney Todd” est une œuvre spécialement difficile à chanter et à jouer. Certains admirateurs de Sondheim ont d’ailleurs mis en cause la capacité de Johnny Depp et Helena Bonham Carter à chanter leur rôle. C’est pourquoi, avant le début du tournage, dans les studio de Pinewood, près de Londres, à partir de février 2007, la part la plus intense du travail de préparation s’est portée sur la musique: adaptation des lyrics au film, répétition des chœurs, chorégraphies, et, surtout, entraînements vocaux des principaux protagonistes.

“mon film ressemble à un film muet avec de la musique”

Le film sortira aux Etats-Unis pour Noël, conte de terreur dont on peut juger les effets saisissants à la réaction des responsables du studio Warner, à l’issue d’une première projection de travail: ils ont demandé quelques coupes et adoucissements, jugeant le film trop violent et trop sanglant, notamment une scène où un enfant d’une dizaine d’années manipule des morceaux de corps humains en les plaçant dans un grand hachoir à viande.

Burton m’a dit avoir voulu déplacer l’audace macabre de Sondheim vers un univers de cinéma muet traité selon une forme proche du noir et blanc et des premiers films d’horreur: “Mon film ne ressemble pas vraiment à une comédie musicale, et moins encore à un opéra”, m’a dit Burton. “En fait, cela ressemble davantage à un film muet avec de la musique. Comme un vieux film d’horreur. L’émotion passe à travers ce style, et Johnny a beaucoup aimé ce jeu d’acteur dans un silence ponctué d’intermèdes musicaux et chantés. Cela l’a libéré pour trouver son style sur ce film. J’aime les acteurs qui ont cet air bizarre et j’ai toujours souhaité faire un film qui retournerait à la façon qu’avaient les Peter Lorre et Boris Karloff de composer un univers. Avec Sweeney Todd, on aura droit à un mélange entre film d’horreur et musical. Je ne sais pas encore si ce sera une comédie ou une tragédie”.

Penchons pour la tragédie musicale, puisque, quand il brandit son rasoir un déclamant “Enfin, mon bras est complet!” avant de trancher la gorge des infâmes, Sweeney Todd n’est pas qu’un pantin morbide, cruel et dégénéré: il offre ces flots de sang à une société suffisamment glauque et violente — la nôtre évidemment, bien davantage que la Londres de la reine Victoria — pour s’en délecter, métaphore cannibale d’une civilisation inhumaine où le signe de la toute puissance consiste à écraser son prochain, à le manger, pour ne pas être soi-même la victime de cette sauvagerie féroce. Après avoir dénoncé dans “Charlie et la chocolaterie“, et avec quelle virulence, la manière dont la société occidentale élève ses enfants, Tim Burton livre avec “Sweeney Todd” un sanglant pamphlet contre les formes acerbes de nos rapports sociaux.

A landmark film in its genre, the 1993 release of THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS combined the power, enchantment and artistry of stop-motion animation with technological wizardry to create a moviegoing experience that captured the hearts and imaginations of millions of die-hard fans. It simultaneously became an all-time family favorite and attained permanent cult status among the cool. Just as its playful, pitch-perfect sense of Halloween fun made it a holiday standard, its mischievously dark humor and no-holds-barred creativity has made it an enduring video hit among college kids and hipsters — who admire it, quote it, sing it and even dress the parts at Halloween. For years, every Halloween has been turned into NIGHTMARE season at Hollywood’s legendary El Capitan Theatre, which screens the film each October to ever-growing audiences.

Part ghostly love story, part upside-down holiday celebration and part toe-tappingly offbeat musical, this NIGHTMARE was always multidimensional. But now, the classic film that had audiences falling in love with one of the most painstakingly handmade of all animation processes has been brought hurtling into the 21st century and transformed for a new generation to experience in Disney Digital 3D™, expanding its legacy of innovation.

“This was a very special project for us—lending exciting new life to a film and characters that continue to be a tremendous success,” says Don Hahn, an Oscar®-nominated producer (“Beauty and the Beast,” “Lion King”) and the producer of THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS 3D. “Audiences have long associated 3D with a story that is fun, scary or both, and with this film, they get it all. You feel like you’re right there in that amazing world with the puppets, not merely watching the story go by on the screen. When the snow falls, it’s falling right on you. When a character jumps out, he jumps over the head of the person in front of you. It literally brings an extra dimension to what has become a modern holiday classic.”

Hahn continues: “THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS was part of the Golden Age of Animation in the early 1990s, during the period when Disney was also doing ‘Aladdin’ and ‘The Lion King.’ It became its own unique part of Disney’s animation heritage—a haunted-house Halloween movie with a wonderful heart, a Broadway-style musical for families, and a beautiful example of how stop-motion animation can work for audiences. Back then, it already had such an unusual and risk-taking combination of elements, adding the new, technologically advanced digital 3D into the mix seemed entirely natural.”

Long before embarking on the project, Disney executives asked their partners in Digital 3D at Industrial Light & Magic to do a test run—digitizing a brief snippet of the film to see if the idea would sink or soar. The results were, in turn, screened for Tim Burton.

His response was effusive. “What’s amazing is that because of the 3D process, audiences will really get to see the texture of the puppets,” Burton says. “When we were making the movie, we got to feel in our hearts like our characters were real—when you see it in 3D; it just takes it that much further. Everything comes to life, and you can literally see in through the eye sockets of Jack Skellington.”

Meanwhile, when director Henry Selick first heard about the idea, he admits he was, well, a little spooked and quite skeptical—which made him even more surprised when he was completely won over by ILM’s work. “I honestly wasn’t too excited about the idea at first because, as amazing as modern technology is, I was concerned that it wouldn’t look good, that it would be a kind of Frankenstein’s monster,” Selick comments. “I was afraid it would come off looking like a bunch of cut-outs and disconnected layers.”

“But as they began to show me more footage, my jaw started to drop. I was astonished by what they were achieving,” Selick continues. “They were being incredibly respectful of the original material, and it wasn’t gimmicky at all. Even though the technology is incredibly advanced, they were managing to really keep intact the handmade quality of the film. It actually took me back to how exciting it was when we were first making the film years ago and all these characters started to come to life.”

Indeed, 3D is currently undergoing an extraordinary resurgence, thanks to the latest technological advances which have been seen in special versions of such films as “Chicken Little” and “Superman Returns.” The concept of 3D movies first emerged in Hollywood in the 1920s but didn’t take off until the 1950s with the advent of stereoscopic horror films such as “The House of Wax,” “Bwana Devil” and “The Creature From the Black Lagoon.” Audiences loved the idea of having a film’s action pop out right at them, but not the reality, which, unfortunately, was plagued by “ghosting”—in which two images blur on the screen—which could cause annoying and uncomfortable eye strain.

Now, in the brave new world of digital cinema, 3D has finally come of age. A new generation of digital tools has revolutionized 3D viewing, creating a more seamless illusion for the audience. Disney Digital 3D™ was one of the first out of the gate, presenting a state-of-the-art system that combined the expertise of both ILM and Dolby Laboratories to offer unprecedented clarity, comfort, image integrity and a totally immersive film experience. Family audiences flocked to see the 3D version of “Chicken Little,” proving that the concept of 3D is now more appealing than ever as it achieves its real potential.

In theory, all 3D films work by projecting a double image—one for the right eye and another for the left, which creates the rich sensation of real-life depth. Traditionally, this was achieved by using two projectors. Disney Digital 3D™, however, takes it to another level by using just one projector, which rapidly shifts between images for the left eye and the right eye, so quickly (144 times per second) that the brain is not even aware of it. Using polarized light the images are crisper and clearer than any 3D process in history.

But so far, the only films to be seen in their entirety in Digital 3D have been those that were digitally created in the first place. With THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS 3D, the unprecedented challenge would be to take the 2D, flat world of the original and give it the depth and dimension of Digital 3D—without, in any way, altering its innate charms. The first step in the process was to digitize the film— re-animating a “proxy” version of the entire movie in CG—a vast undertaking that fell to Industrial Light & Magic, under the supervision of ILM’s executive in charge of production, Colum Slevin.

For Slevin and his team, the project was irresistible. “I don’t know of another instance like this where an analog film was transformed into a digital film. The processes were a real breakthrough for us, and we thrive on those sorts of big challenges,” he says. “It was incredibly tough, but it was also unbelievably rewarding because we were taking everything to the next level.”

The team’s adoration of the original NIGHTMARE further amplified their excitement. “Everyone at ILM is a big fan of this movie. We were already in love with the project before we began,” notes Slevin.

“It’s such a cool film and everybody kept saying, ‘It’s perfect for 3D!’ It’s so beautifully composed, the sets are gorgeous and there’s this quirky forced-perspective thing going on that already has a kind of 3D feel about it. In fact, once we began rendering the characters in 3D, they looked so fantastic, we felt it was just destined to be viewed this way.”

Starting with a crew of 20 and eventually ramping up to 80, it took 19 very intense weeks of work for ILM to complete the transformation of NIGHTMARE. During this process, automatic tools were used to replicate the original film’s camera motions, sets were turned into digital models and a crew of animators was recruited to hand-animate the CG characters on a frame-by-frame basis, so their digital doubles matched the original camera photography. Once the geometry was forged for the sets and characters, special-effects artists used the computer to map the original film image directly onto the CG-animated geometry. Then the virtual camera, shifted slightly to the right, recorded a new camera angle for the right eye.

Ultimately, audiences will unwittingly be seeing the original NIGHTMARE with their left eyes while seeing the digital re-creation with their right eyes, allowing for the three-dimensional effect.

To begin with, the process required lots of digging into history. “We used a lot of archival lens information from Disney and we dug up all the original puppets so we could photograph them and create computer graphic models of each,” Slevin explains. “The original sets no longer exist but we were able, with digital tools, to take a sequence of images and infer the volume of each set from the still frames. So we could infer things like this floor is at a 45-degree angle and this chair is three feet from the wall, and then we could create an accurate blocking of the original sets in CG. It’s all basically geometry.”

Digitizing the characters in all their stylized movement was the crux of the project. Slevin continues: “With stop-motion, you have to pose every single frame and every single frame is incredibly deliberate. So when you try to track and follow a character that’s been stop-motion animated, and you’re trying to replicate that in CG, you have to redo all that labor all over again from scratch, because there’s just no automatic way to do it. So there was a lot of blood, sweat and tears that went into replicating the performances authentically so the stereo would pick up faithfully in the right eye when we reprojected the original performances.”

Yet even as the high-tech proceedings kicked into a higher gear, there was a constant emphasis on maintaining the film’s inimitably funky, scary-funny aesthetic with complete integrity. “Early on, I spoke to Henry Selick and we talked about what was possible, because once a film is digitized, there are no limits,” recalls Don Hahn. “So we could have changed anything, but the decision was made to keep that loving, handmade aspect of the film’s charm completely intact. So we didn’t even erase wires or shadows or alter any original mistakes. We really tried to be completely true to the original and not introduce anything artificial, but rather simply bring new dimensions to what was already there, with wonderful results.”

Adding to the pressure to do right by the film was the fact that several of the staff at ILM had actually worked on the original release of NIGHTMARE. Slevin notes that his team developed a very helpful, oftrepeated mantra during the entire process —“Keep your filthy hands off the film”— to avoid any temptation to alter what had been created more than a decade ago by the impassioned original team of animators. “This was not a fix-it job,” he notes. “The grit and grain, the pops and errors and the ‘happy accidents’ of stop-motion animation are all still a part of the heart of the film.”

For Henry Selick, that decision was very gratifying. “It seems that people these days are often trying to make films that are more and more slick—so for the handmade quality of our film to be a priority was just wonderful,” he says. “The 3D simply brings the audience further into the film’s environment. It reveals a side of the film that no one has ever seen before.”

The only creative choices the team behind THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS 3D did make concerned where the action should be placed in the plane of depth to best serve the story. For example, the average distance between human eyes is about 2.5 inches. But that distance can be played with — stretched or shrunk — to create a particular 3D effect, such as allowing the audience to see the world from Jack Skellington’s skewed point of view. The team also decided which elements would appear in the foreground and background for virtual immersion, turning the 3D effect into a storytelling tool that guides the eye from one important detail to the next.

“We worked out an entire stereo script with Don Hahn and the guys at Disney,” Slevin explains, “where they would say, ‘This is where the effect needs to be cranked up, and this is where you can ease off and dial the intensity back.’ Everything had to be completely in sync with the score and especially the storytelling, because it’s all about the story. That’s where the real magic is.”

And Tim Burton agrees, “Turning THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS into Digital 3D has taken a very pure little gem for me and made it that much better. I am extremely happy about the fact that the movie has kept its purity and the 3D actually adds much more to it.”

Tim Burton s’amuse de nouveau à raconter une histoire horrifique et nous le suivons sans crainte. Sa joie est d’autant plus évidente que se succèdent sur l’écran des acteurs et des motifs aperçus auparavant dans sa filmographie. Les visages de Johnny Depp, Martin Landau et Christopher Walken se mêlent aux citrouilles, arbres griffus et autres vampires. La créature de Frankestein, si chère au cinéaste, est évoquée dans un final où le cavalier sans tête, soudainement touchant, devient la marionnette d’un être de chair et de sang, plus cruel et inhumain que lui-même. En fait, nous assistons à un film de la Hammer, cette maison qui, dans les années 50 et 60, produisait des œuvres d’épouvante pleines de cris et de brouillard. Christopher Lee, célèbre pour son interprétation de Dracula, en apporte d’ailleurs la preuve par sa présence.

Néanmoins, cette promenade en terrain connu ne serait que plaisir de courte durée si elle ne s’aventurait en des voies plus intrigantes. Ce voyage dans le temps bifurque vers les origines du cinéma. Arborant le sourire de l’adulte volontairement crédule, Burton joue avec son étrange instrument, né de l’illusion et peuplé de fantômes. Une fantasmagorie animée à laquelle suffisent quelques photos associées à la persistance rétinienne. C’est avec un mécanisme similaire que le thaumatrope – de thauma, objet d’étonnement et d’admiration – surprend les enfants depuis près de deux siècles. En forme de disque, ce jouet voit, lors d’une rotation rapide, ses recto et verso se superposer pour former un troisième dessin. Significativement, bien qu’inventé en 1825, il apparaît dans le film de façon anachronique, permettant à Ichabod Crane de défaire les noeuds de l’intrigue.

Ce retour aux sources amène une simplicité qui, salvatrice, illumine toute l’histoire. Les images retrouvent la beauté graphique du cinéma muet, à l’immédiate efficacité, et s’inspirent de toiles de maîtres. Des bourgeois au hiératisme inquiétant, échappés des œuvres de Gainsborough, traversent les paysages imaginés par l’Hudson River School, empreints de la nostalgie d’une nature vierge et idyllique, nimbée de lumière dorée. Cet univers figé dans le XVIIIéme somnole dans les brumes du passé. Burton, espiègle iconoclaste, va ridiculiser son apparente honorabilité en le confrontant au jeune Crane. Positiviste, isolé en cette fin de siècle dit révolutionnaire, celui-ci se réfugie dans le progrès pour échapper aux angoisses qui l’assaillent. Un progrès qui lui permettra de combattre l’obscurantisme d’une société conservatrice.

Le rapport au passé et les problématiques d’héritage et de filiation travaillent en permanence le film. Le cœur en est un arbre maléfique dont les racines plongent dans les profondeurs des secrets collectifs. Tout y est affaire de généalogie et de transmission qu’il s’agit d’assumer, sous peine de tourments infinis. Chacun des protagonistes doit effectuer le deuil d’un trauma personnel, et supporter le poids d’une mémoire trop pleine. Seul le cavalier sans tête n’a, littéralement, plus de souvenir. Dès lors, agissant par pur instinct animal, il est assimilable au cheval fou de Socrate, “à la robe noire, aux yeux bleus et injectés de sang, qui, ami de la violence et de la fanfaronnade“, gouverne l’âme de l’être passionné.

Ainsi, en bien ou en mal, les parfums du passé s’insinuent au milieu de ce tourbillon d’images et de sons, de ce grand guignol ironique, pour laisser poindre une sensation de délicatesse. Les réminiscences qui tissent les fils de l’intrigue suggèrent une douce mélancolie. Et cette appréhension du temps qui passe semble nous murmurer, comme les effluves de la dame en noir au détective de Gaston Leroux, que, “malgré tout, le presbytère n’a rien perdu de son charme, ni le jardin de son éclat“.

Cette équivalence entre enfance et mensonges, cinéma et enfance, n’est jamais acquise dans Big Fish. Elle s’enclenche moins dans la mise en avant du fils que du film. Ce dernier prend la route. Dans un premier temps, à chaque monceau de récits, l’image apparaît comme ouatée, un léger halo clair-obscur entourant la fable édictée comme le halo autour d’un rêve. Ce choix discret de l’iris s’altère ensuite, mettant fin à l’ambivalence du récit (rêve ou réalité). Dans un double mouvement se mêlent langueur et mobilité. Ni rêve, ni vie parallèle, c’est un songe éveillé, une chute des murs, un espace-temps suspendu qui propose, au passage, une histoire des légendes et des images américaines antérieures.

Au gré d’une nuit et d’une route sombre qu’il n’en finit pas de traverser, l’homme rencontre un géant, débarque en plein concert pour l’armée chinoise où se produisent des sœurs siamoises. Entre-temps, il s’octroie une escale dans un cirque et suspend littéralement le spectacle. De Paul Auster pour la séquence mémorable du cirque aux travaux d’Hercule, de la mer d’Hemingway à l’univers cartoon de Roal Dahl, Tim Burton invente une histoire des Etats-Unis, où le récit littéraire et l’imagerie des mythes touchent au merveilleux. Un autre Vieil homme et la mer. Un nouvel œil pictural surtout, résurgence moderne du peintre visionnaire David Hockney. Bientôt, géant, loup-garou et nains de fêtes foraines constellent cette route étoilée qui constituent la bannière du récit. La narration devient elle-même une vaste enluminure. Le film dresse au final une ligne continue où s’empilent des idées prodigieuses (la communauté utopique, la ville à vendre) et des bifurcations qui se muent en de fulgurants raccourcis (flashs-back où la vie entière s’incarne en une nuit sans fin).

The world is a stage, la scène est le monde. En des variations infimes ou une équivalence sublime, Big Fish va jusqu’à cristalliser finalement l’essence même du cinéma. Il constitue moins une illusion propre aux images qu’un grand jeu de dupes, dont l’amour régule ordre et désordre. Une belle entourloupe. Big Fish est un splendide trompe-l’œil.

TB: Hi, this is Tim Burton calling for Harry.

HK: Hey! This is Harry Knowles.

TB: Hey. Sorry I’m a little late. I know you gotta run… go, too. Sorry I’m calling you a little late.

HK: No problem. My screening wound up getting pushed back.

TB: Oh, okay. Good, good, good.

HK: I’m on a series of push-backs today.

TB: I know the feeling.

HK: How’re things going on SWEENEY TODD?

TB: Oh, it’s just early days, you know. It’s interesting. I’ve never done something like this before, so the casting process is quite different and interesting. I’m right in the middle of that. I’m excited because it’s something new for me, so… just a whole new process.

HK: What do you mean by it being so different for you?

TB: Well, just doing a musical kind of thing. I mean, I’ve done… with the animated things, there’s music and stuff, but this is a different process. I don’t know. You just look for different things. It’s just slightly different than what I’m used to.

HK: This has been one that has been floating around with you…

TB: I’ve always loved it ’cause it’s… I don’t know… I remember when I first saw it on stage it was this sort of Grand Guignol kind of horror movie musical. I always loved it for that.

HK: Are there going to be stylistic similarities to the way you handled that sort of Grand Guignol sort of stuff in SLEEPY HOLLOW?

TB: Well, you know… yeah, I do love those kinds of movies and things, so yeah… there’s certainly probably a bit of that in there. Just those old expressionist movies and old horror movies, but that juxtaposed against the music, which is so beautiful and strong. I don’t know… it’s just an interesting combination to me.

HK: I can’t wait to see it.

TB: Me, too! (laughs)

HK: I just can’t wait to see how Johnny (Depp) handles that character.

TB: That’s what’s great about him. He’s just so game, he’s so into trying different things, too. So, that’s going to be exciting.

HK: So, what do you think about this 3-D process that’s being adapted to NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS?

TB: Well, I love it. To be honest… I’ve always been very protective, especially of that movie. Because it’s stop-motion and it’s dimensional… The fact is, if you were on the set… it’s like, 3-D, you know? Because you’re on the set with the puppets and the characters. 3-D actually fits right into it. When I first started seeing some tests, it kind of reminded me of the little Viewmasters… you know the little 3-D Viewmasters?

HK: Yep.

TB: It just seemed to accentuate and help it, in a way. You can almost feel the puppets, you feel the texture of it more. I think it just almost gives more of a mood of it, in a certain way. So, I’m really excited about it.

HK: I remember back when Disney was originally promoting NIGHTMARE they actually had that 3-D Lenticular poster…

TB: Yeah!

HK: Which kind of promised a 3-D film.

TB: I know! I know!

HK: It’s like, “Finally! Here it is!”

TB: Exactly and it’s the first time I’ve watched a 3-D movie without getting a headache, too, so that’s good. The technology has gotten better. Obviously, it wasn’t shot with 3-D in mind, but it works quite well. Again, I think it’s because of the stop-motion process and the fact that it’s kind of half-way there, in a certain way.

HK: I know that Lucas is planning on using the same process on STAR WARS and Cameron’s going to do it on TITANIC and I think Peter Jackson’s going to try it on LORD OF THE RINGS and stuff… How do you feel about the concept that perhaps some of your past films can be turned into 3-D. I mean, is this exciting or…

TB: I don’t know… With 3-D technology… some things it’s good for, some things… There’s always a danger… is it going to be the way every movie is going to be made from now on? Possibly… But I’m sure we thought that back when they were doing HOUSE OF WAX and that kind of ran its course. It’s hard to (see) if things are sometimes a gimmick or if it’s something that helps the medium or helps a specific project. I mean, some projects seem more 3-D than others. Or is it going to be the complete wave of the future? It’s sort of hard to predict that. Will people expect to see every movie in 3-D or not? It’s hard to know.

The technology is good. Like I said, no longer do you have to worry about looking like a complete idiot or getting a headache sitting in the theater. It’s pretty easy to deal with now. It’s genuinely interesting and I think for this one specifically it seemed to fit with the medium.

HK: I have to say… when Disney announced they were going to do this new “Miracle of 3-D” to NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS, I was sort of, like, ecstatic because there’s something so cool about that film being the first film of many that are wanting to do the process, you know?

TB: It’s great, too, ’cause, Harry… what’s really amazing is it actually just accentuates the stop-motion more. You know what I mean? I don’t know, you just feel the texture of the puppets more, you kind of get the spacial difference you felt when you were on the set doing it. It just feels very special for me and I’m really happy that it’s that one, too.

HK: So, with a movie like… I know you’re producing Shane Acker’s 9. Is 3-D something y’all are thinking of for that?

TB: That seems like a pretty good candidate for it, to be honest. We’ve had discussions about that. That one really, in my mind, lends itself to the possibility of that.

HK: How’s that comin’ along?

TB: You know, it’s going to be a long process. It’s going to be interesting. It’s a different type of animated film, which is great. It’s not the usual talking animals kind of thing. I think it’s exciting to be involved with something that’s dealing with a different type of animation and in a different kind of movie.

HK: His short was just brilliant.

TB: Yeah, I know. I was amazed that he sort of single-handedly pulled that off. It’s going to be interesting. It’s nice to see, again, animation branching out into different kinds of stories and not just kids stuff.

HK: Would you, if NIGHTMARE’s successful in 3-D, would you look to convince Warners to do the same to CORPSE BRIDE?

TB: Um… I think… Again, there’s something about the stop-motion medium. Those lend themselves to this process and, again, I think because of the fact… I mean, it allows the puppet-maker’s work, the artist’s work, the set-builder’s work to really kind of come through in a way that is like the reality of it when you’re making it. It’s not so much the feel like a gimmick as it helps to accentuate the artistry that was sort of put into it by all the artists.

HK: One of the things that I think is interesting about bringing 3-D to a film that was composed for 2-D is… that sort of taking of 3-D the way Hitchcock wanted to use 3-D in DIAL M FOR MURDER…

TB: Yeah, it’s not everything in your face kind of thing, that’s what I liked about NIGHTMARE. You do have things come forward… there are a couple moments when Jack gets close, when he’s singing SANDY CLAWS, and it kind of has a real good 3-D effect, but it’s not the kind of thing that’s completely in your face. You’re not just going, “Wow! The technology!” You’re still kinda just looking at the story. You almost kind of forget about it in a certain way, which, to me, in this case, is good.

HK: How satisfying is it to see NIGHTMARE just continue to grow each year, the way you’d imagine Rankin & Bass had to feel about the RUDOLPH story….

TB: That’s… I mean, Harry, for me… the whole genesis of NIGHTMARE was because I was in love with Rankin & Bass, watched it every year. And THE GRINCH WHO STOLE CHRISTMAS every year. It was a ritual that I really, really loved. If it affects anybody that way, then I’m extremely happy because that’s where its heart came from, those kinds of things. It’s also amazing to me, too… Going back to when NIGHTMARE first came out. I’ve never heard of this in the history of any movie. They didn’t even want to put out a trailer for the movie. I was, like, “Wait a minute! Even the worst movies have a trailer!” You know? (laughs)

It’s like, to see it go from that to where it is now is kind of amazing.

HK: For a while there… It came out and did well for its budget, but I think it underperformed to some people’s expectations and then the Japanese toy market, in a weird way, kept the thing going…

TB: I know, I know. It really is strange because Disney’s always, obviously, been known for their toy-making abilities, but they couldn’t crack this one. It really was the Japanese that completely kind of shamed everybody into, “Yes! You see? You can make a toy of a character with no eye-balls! You can make appealing and great toys!” It kind of goaded them into reassessing it and kind of re-looking at it, in a way.

HK: Do you have a favorite of the NIGHMARE toys that have been release?

TB: Well, they just keep kind of coming out. I don’t know who buys them or anything… (laughs) I was impressed completely by the Japanese in that way because they really, really… I mean, you can almost animate some of them, you know what I mean?

HK: I have a large selection of the big-sized toys. If you had a way of locking their legs down… that’s the big difference.

TB: Exactly! We tried different things around the house just see if we could do it, but no… You could use little screws there, but then you got little holes in your floor all over the place! That one they haven’t quite cracked yet. But, beyond that, in terms of the look and texture and the movement of them, they’re beautiful.

HK: Here’s a question I’ve always wanted to ask you… We ever going to see a GEEK LOVE movie out of you?

TB: (laughs) I was really interested in that. I think it always just felt a bit daunting. It’s like… You probably heard this and you know this, but you get quite daunted… If there’s a book that you really love, there’s something quite daunting about doing it justice in a certain way. I’ve sort of played around with it, but you get sidetracked and stuff. It is something that I do love. I do love the book. I just sort of (need to) get rid of that fear factor of destroying a great book. (laughs)

HK: (laughs) It’s a perfect marriage of material!

TB: I know, I know, I know. I certainly respect it and love it. That would certainly go into it.

HK: I know you get a certain amount of the GEEK LOVE vibe out of being able to do something like RIPLEY’S BELIEVE IT OR NOT, if it ever happens…

TB: Exactly. I met some people… I met this one guy who was really amazing. He was like Johnny Eck, you know? It was fantastic. I was very disappointed, pretty devastated by that one, yeah.

HK: Leonardo DiCaprio was developing a Johnny Eck script for a while, that I read…

TB: Oh, really?

HK: Yeah, it was actually really kind of fascinating. It had him, as the half-man, swimming against Johnny Weissmuller…

TB: Yeah! He lived amazingly. He’s such a… He moved kind of like Fred Astaire or something. He was really incredible.

HK: Yeah. Just the idea that he was playing something like a trombone…

TB: This guy who came in who had the same kind of thing as Johnny Eck, he had this dance troupe… The way he moved… it was one of the most beautiful things I’ve ever seen because nobody else could do that, you know? You couldn’t simulate that. No special effects or anything. I was quite excited about him.

HK: Will we ever see you use some of the footage you shot for those interviews with Vincent Price?

TB: Yeah, you know what? I’m going to revisit that. The weirdest thing happened with that. Back at the time, we had trouble getting the rights to clips and that kind of thing and I kind of just left it alone. I was there interviewing him… I hated… I don’t know how to say this. I can’t sort of stand hearing my own voice, you know what I mean?

HK: I tooooootally understand what you’re saying! (laughs)

TB: As much as I loved him and wanted to do it… I just thought, “Aw, shit!” That kind of stopped it for me for a while, but now I think enough time has gone by and it is some of the last stuff of him, so I can get me out of it in a certain way and kind of let him… ‘Cause he’s so great.

HK: It’s weird because I’ve never seen just a great piece on Vincent Price.

TB: You see the Biography Channel, that kind of stuff…

HK: Yeah, that kind of stuff, but that doesn’t really… I mean, Vincent did a play in Wichita Falls, TX, back in the ’80s and spent an hour and a half on the phone with me one night on Halloween.

TB: Wow! He’s that kind of guy!

HK: Exactly! He’s that sort of guy. And I’ve never seen anyone capture that, you know?

TB: That’s the thing about him. I mean, when I first sent him VINCENT… you know, the idea for a short film, he was just so supportive! His involvement basically got the movie made, you know what I mean? In East LA he had this art school… you know, the poor kids in East LA have this amazing art collection due to him. He was just really generous with all that kind of stuff. He was quite amazing that way.

HK: The thing that struck me… I mean, I was just some kid. It wasn’t like I had done the site and…

TB: That’s the thing! That’s how I felt. He understood. He understood that the reason he was who he was was because of people like us and he was really cool about all that. I don’t know. I was really grateful that that was the first kind of Hollywood experience I had and it was so positive. You know, it didn’t start out on a jaded foot. It was like, “Wow! This is really amazing.” This is somebody who you grew up watching and he turns out to be a great person.

HK: I can’t imagine what it would be like to have actually met Lugosi on his heroine side, you know?

TB: Exactly.

HK: With someone like Vincent, you never had that. You always had a man of class and style…

TB: Yes.

HK: And to meet a hero… that’s the thing that’s so wonderful about what you did with the character of Lugosi in ED WOOD.

TB: I think that probably had more to do with Vincent in a certain way than it did with Lugosi, you know what I mean? In terms of that kind of relationship. It was so strong to me. My career in terms of realizing that not everybody’s an asshole here! That there are some really artistic, great people and they have a real positive vibe about them. So, when times go dark, I always remember that in a certain way.

HK: That’s one of the things that I’ve always loved about what you do. You resuscitate some of those Hammer film stars and get someone like Christopher Lee involved…

TB: Oh, yeah… He’s amazing! (laughs) In SLEEPY HOLLOW I was like, “What about Christopher Lee?” and they all kept saying, “He’s dead.” People kept trying to convince me that he was dead. And then, oh! Okay, he’s not dead and, by the way, after (SLEEPY HOLLOW) he goes and does STAR WARS and LORD OF THE RINGS and he’s recording heavy metal bands in Italy and doing Operas in Germany. That just begins to show you the sort of Hollywood mentality.

HK: Peter Jackson set me up for the worst joke of all time… I was talking to him about Christopher Lee once and he went into this whole thing about how Christopher Lee actually met Adolf Hitler and he fabricated this entire story for me, knowing I was going to meet him. I have this footage of me asking (Lee) about meeting Hitler and Christopher Lee going (in Christopher Lee voice), “No-no-no-no-no-no! I have never met Adolf Hitler!”

TB: (laughs) Well, the fact is, he pretty much met everybody else. That’s the great thing about Christopher. You kind of believe it’s a possibility! (laughs)

HK: I was at a press junket with him in France and there was a reporter from the Czech Republic there and the next thing I know, he just starts flurrying into that bombastic voice of his in some obscure dialect that I don’t know!

TB: He speaks, like, 5, 6, 7, 8 languages… I don’t know. I remember the first time I met him in in the Dorchester… he walked in and everybody just turned. I sat down with him and talked for 2 hours and it seemed like 10 minutes. It was like you were hypnotized by Dracula, you know? It’s like, “Oh, my God!” He’s got such an amazing presence. Still! He’s still all over the place. He’s like (in Christopher Lee voice), “I’m off to record a heavy metal album with a band in Italy!” Or, “I’m reading THE LORD OF THE RINGS in Swahili!” He’s always amazing. That’s an inspiration to see someone like that keep going strong.

HK: Are you going to be able to squeeze him into SWEENEY somewhere?

TB: Yeah, I’d love to. I love him. I really think he’s amazing. Just that voice, you know? I haven’t had the nerve yet to ask him to do my answering machine… (laughs) I don’t like getting calls, so I think it’ll really be helpful for people to not leave messages. It’d be great.

HK: (laughs) What’s Michael Gough like to work with?

TB: Oh, he’s fantastic, too. I love him. Again, he’s just this sweet… He’s a great artist. He’s just a great, great guy. That’s the amazing thing. A lot of these guys who you grow up (watching)… A lot of times I’d be sitting there, talking to him and just go, “Man, I’m sitting here talking to the guy who was in KONGA!” You know? Or HORRORS OF THE BLACK MUSEUM. It’s just great. He’s just an amazingly down to earth, great guy.

Again, I’m so lucky to meet these people who I kind of idolized growing up and they’re all of them great!

HK: Earlier this year I brought in Ray Harryhausen to host a screening of the 1933 KING KONG…

TB: He’s great, too! He’s a great guy!

HK: Yeah! I just sat down with him and he was actually at the World Premiere of KONG in ’33 in Los Angeles.

TB: (Orgasmic/awed gasp)

HK: And I had him just describe the opening pre-show that Sid Grauman did…

TB: Wow!

HK: It’s like… literally! Who else could you ask? Who else is alive who was there? And for, like, an audience of 200 people, he just time-tripped back as a little boy and told the story of what the pre-show was. You’re just like… “Wow!” Yet he was so appreciative that I knew to ask the question.

TB: See, that’s great. I just met him recently for the first time. Johnny and I went to his house in London, here, and he’s just so open and warm. He’s such an open, enthusiastic… It’s like what you would hope in your life, that you would never lose your enthusiasm and interest in things and joy about things and curiosity about things. It’s a real inspiration, those people.

HK: For me, when I watch him move it’s like watching an old Mighty Joe Young, you know?

TB: (laughs)

HK: You can actually see his movements, you know?

TB: Exactly! You watch his hands, too, and it’s like you see some of the movement that some of his characters (made). It’s incredible.

HK: That’s something that’s just really amazing about stop-motion. A lot of times, you really do see the movements of the animators. But then you can say the same thing about the 2-D animators…

TB: Of course, of course.

HK: Because if you see Ollie Johnston, you see him in his characters.

TB: Absolutely. Definitely. Definitely. All those guys, Frank Thomas… That’s the great thing, that’s the excitement about animation… It’s something inanimate coming to life and all of that… there’s a real energy to it.

HK: Would you ever do a 2-D feature?

TB: Ummm… If it’s the right kind of thing… especially now that they’ve proclaimed it a dead medium, then you always get interested in it, you know? (laughs) I don’t know. You always try, I think, with animation, you try to treat the project with the medium, in a certain way, so I think with the right kind of story and the right kind of thing… it’s still a beautiful artform.

HK: Any plans to do further things with STAINBOY or OYSTER BOY?

TB: I don’t know. I do love stop-motion. There are things kind of bubbling around, but nothing really specific.

HK: What’s happening on RIPLEY’S BELIEVE IT OR NOT?

TB: I don’t know… I was just so devastated by it that I just had to take a step away for a second. It’s something I like and that’s why I wanted to do it. I like Jim (Carrey) very much, I think he’s really talented and stuff… I just… You know, when you work something for almost a year and that happens, it gets… it’s pretty devastating. So, I’m taking a step back from it for a minute.

HK: While waiting on the call today, I just got the soundtrack for SEVEN FACES OF DR. LAO in and finally found a full hour length one. To me, there’s a lot of that film’s spirit in a lot of the work you’ve done.

TB: It’s interesting. I remember seeing that movie. It’s a really odd movie in a way. It sort of defies categorization in a certain kind of way.

HK: To sort of revisit NIGHTMARE a little, did you ever want to show the little boy who gets the shrunken head cry when Santa Claus takes his shrunken head away? (giggles)

TB: (laughs)

HK: Because that was me, right? I always opened every Christmas present hoping for a shrunken head!

TB: I know, I know. Well, that’s a limited audience of you and I and a few other people… (laughs)

HK: I know you wanted the shrunken head.

TB: Of course! No, of course!

HK: On SWEENEY TODD, is Danny (Elfman) going to be doing some re-orchestration for you on that?

TB: I’ve talked to him, but I just don’t… My relationship with Danny now… I don’t think I’d ask him to do that just because it wouldn’t be using him to what his great talents are. He’s busy at the moment, so I think… I mean, he’s very supportive of me and that’s great, but it wouldn’t utilize his talents very well.

HK: It was just one of the things I was wondering because I couldn’t really imagine him musically fitting in with that, you know?

TB: I know he’s done things, like when did the PSYCHO (remake)… when he was involved with that thing, but you know… I wouldn’t ask him to do something like this because it wouldn’t really use his talents the way they should be presented.

HK: You were developing for a really long time MAN WITH THE X-RAY EYES…

TB: Oh!

HK: Is that something that’s been abandoned?

TB: There are always those that kind of float around a little bit. You get side-tracked with things, but it’s kind of like seasonal… Sometimes I revisit it because it’s something that still interests me.

HK: You hear about people in Disney that have been wanting to do something more with NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS, but at the same time, as a fan of it I just can’t imagine any sort of sequel…

TB: I completely resist it because I feel like… It would just undermine what makes it special to me… you know, visiting Thanksgiving World or, you know… whatever… Doesn’t seem right.

HK: How do you feel about them using the NIGHTMARE characters on something like The Haunted Mansion. Does that feel good to you or is it sort of like messing with something precious to you in a different form?

TB: At one level, I feel quite honored by it, but there’s one level where it kind of pissed me off because they never… Because, you know, you feel like it’s your creation and it’s something that they… I mean, they were excited enough to let the movie be made, but that was about it, and then it becomes something else. I have mixed feelings about it, but basically I think it’s fine. Where I would draw the line would be doing spin-off movies or something like that. That I don’t feel is right.

But that I felt was kind of cool. I love The Haunted Mansion. I felt more bad for The Haunted Mansion in a certain way because that’s like toying with a classic!

HK: That’s sort of what I was thinking of. I know you growing up in Burbank… going to The Haunted Mansion had to be…

TB: Yeah, that was a big deal. I remember when it first opened up. It was a big deal. It was a great ride. I feel more sorry for that.

HK: Well, awesome. Thanks so much for taking the time…

TB: Sure, Harry. Nice to talk to you. What are you seeing tonight? What is your screening?

HK: I’m seeing Tom Tykwer’s PERFUME.

TB: Oh!

HK: I hear it’s really, really great. A film that you’ve got to do whatever you can to get a look-see at is PAN’S LABYRINTH by Guillermo Del Toro.

TB: Yeah, yeah. That was at Cannes, I think, this year.

HK: It’s incredible. For who people like you and me are… it’s such a great film. You’d love it.

TB: Well, he’s great. I’ll have to look for that. Thank you. I’ve been looking for something to go see. (laughs).

HK: It’s not out until late December and I imagine you’ll be in full-swing on SWEENEY.

TB: I’ll have time to check it out. Thanks for the recommend. Again, Harry, it was great to talk to you and… yeah. I’ll probably talk to you again sometime.

HK: I’ll talk to ya’ later!

TB: Talk to you later. Bye!

Alors, qu’est donc venu faire Burton dans cette galère ? Au-delà des réponses, examinons non pas ce qu’il n’a pu réaliser mais ce qu’il a réussi à produire à partir de cette presque indigence. Tout ce que le film a d’intéressant, il le doit à son univers. Mais de manière si évidente, si ostentatoire que cela en devient gênant. Pour le dire autrement, tout ce qu’il apporte d’original est comme greffé au film. Et les coutures se voient. Ces gros plans sur le visage d’un chimpanzé enfermé dans un costume d’astronaute, ces singes faisant leur toilette la tête en bas ou se préparant à de peu innocents jeux nocturnes, des garnements pleins de poils et de bière portant le blouson noir des rebelles sans cause… rien que des inserts, des moments collés sur un film avec lequel ils n’auraient que peu à voir.

L’ironie si chère à Burton est donc bien présente. Elle reste néanmoins souterraine. En fait, l’aspect subversif du film apparaît si codé qu’il en devient hypothétique. Le cinéaste s’est ingénié à mettre sous des masques par ailleurs étonnants de plasticité et d’expressivité les acteurs les plus intéressants de la distribution. David Warner, Helena Bonham Carter, Tim Roth, tous comédiens anglais, et donc excellents, que notre mémoire associe à d’intenses moments cinématographiques, sont rendus méconnaissables. Quant aux autres, aux “humains”, ceux parmi eux dont les noms étaient synonymes de bonnes surprises, comme Kris Kristofferson, ne sont plus que l’ombre d’eux-mêmes. Ils sont ramenés au stade de pantins gesticulants et geignards.

La subversion supposée vient de l’opposition que Tim Burton semble organiser entre ces derniers et les têtes d’affiches, lisses et insipides, que le film nous impose. Elle seule rend d’ailleurs supportable la figure d’un Mark Wahlberg toujours aussi inerte. Dans cette mise en regard des visages mornes des humains et des traits si volubiles des hominidés, Burton paraît faire une constatation. Il semble signaler la décrépitude de l’acteur au sein d’un système voué à son autodestruction. L’être ne serait alors plus qu’un morceau de chair flasque pris dans un perpétuel mouvement, et qui, au mieux, serait autorisé à n’exister que sous un masque grotesque. Et, comme le cinéma reste malgré tout un espace réfléchissant, on peut en retour s’interroger sur la nature de ceux qui, du fond de leur fauteuil, regardent les derniers soubresauts de ces ersatzs d’humains.

Alors, bien sûr, tout cela n’est peut-être que le produit de notre imagination, une invention née d’un obscur pessimisme. Peut-être que le dernier opus du magicien d’Hollywood est un ratage inattendu mais bien réel. Néanmoins, peut-être est-il aussi un de ses ouvrages les plus sombres et les plus désespérés.

Mis entre les mains d’un habile artisan du fantastique, un tel postulat pouvait laisser espérer quelques surprises. Mais, pareil à Lynch s’égarant dans les déserts sablés de Dune, Burton s’est visiblement laissé dépasser par l’ampleur du projet. Gros budget, gros casting, gros effets spéciaux : rien n’a été oublié pour tenter de recréer la magie un peu kitsch et la violence de la série d’origine. Malheureusement, le résultat obtenu tient plutôt du mélange indigeste de La Guerre des étoiles, 2001, et MadMax !

Avec des personnages (hommes et singes) aussi lisses que les actions sont prévisibles, et une mise en scène pompière et déjà vue, le film s’enlise très vite dans une succession de scènes attendues, qui ne provoquent ni émotion ni surprise (la découverte finale atteignant même un sommet de kitsch post 2001 !). On en arriverait presque à se demander ce qui, dans la série d’origine, a pu passionner toute une génération, tant l’intrigue et ses portées philosophico-écolo-mystiques paraissent ici artificielles et vaines.

Il semblerait que Burton, loin de son univers sombre, magique, urbain, gothique et fondamentalement critique, perde tous ses moyens de créateur de figures et d’ambiances. En effet, rien n’est vraiment crédible dans sa Planète : ni les décors, trop lisses, ni les personnages, trop stéréotypés, trop laids, trop prévisibles pour créer une quelconque tension. Le seul personnage réussi du film étant logiquement le chef guerrier des singes (Tim Roth, irreconnaissable, pour changer), dont la haine et la cruauté envers les hommes s’accompagnent d’un amour transi pour une guenon, qui se révèle une ” humaniste “. Dans ce personnage seulement transparaissent les quelques lueurs de cauchemar et de souffrance qui manquent tant au film.

Aussi plat qu’une image de synthèse, La Planète des Singes échoue donc sur tous les plans : ni un bon film de Tim Burton, ni un bon film de SF, tout juste un film pop corn pour l’été, qui ravira les fans d’histoires où l’homme est laché dans une nature hostile ( et qui ne s’ennuient pas avec Jurassik Park 3 et Koh Lanta).