Les abonnés à la newsletter de TimBurton.com, le site officiel du réalisateur, ont pu recevoir ce mail leur indiquant la prochaine réservation du livre réunissant une grande part du travail pictural de Burton, The Art Of Tim Burton.

Je donne donc ici une traduction de ce mail:

Réservation possible dès Novembre: The Art Of Tim Burton, édition simple et deluxe.

The Art Of Tim Burton est le recueil le plus complet de quarante ans de production artistique par Tim Burton, incluant ses dessins préparatoires pour ses films et des centaines de projets personnels issus de sa propre collection, le tout édité sous la direction de Tim Burton lui-même. Ce livre de 434 pages contiendra treize chapitres qui détailleront les thèmes chers au réalisateur, de sa facination pour les clowns à sa passion pour les monstres incompris en passant par son goût pour les bizzareries des gens et du monde. Un grand nombre d’amis et de collaborateurs de Tim Burton ont offert leurs pensées, leurs ressentis et leurs anecdotes concernant le style de Tim Burton et son approche de la vie.

Les Artworks des films suivants sont compris dans ce livre:

Alice in Wonderland (2010), Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007), Charlie and the Chocolate Factory and Corpse Bride (2005), Big Fish (2003), Planet of the Apes (2001), Sleepy Hollow (1999), Mars Attacks! (1996), Ed Wood (1994), The Nightmare Before Christmas (1993), Batman Returns (1992), Edward Scissorhands (1990), Family Dog (1987), Batman (1989), Beetlejuice (1988), Pee-Wee’s Big Adventure (1985), Frankenweenie (1984), Vincent (1982), et Hansel & Gretel (1982). Le livre contient également des dessins du livre de poèmes The Melancholy Death of Oyster Boy & Other Stories (1997), et d’autres issus des courts-métrages The World of Stainboy (2000).

Texte par: Leah Gallo, Design par: Holly Kempf, Édité par: Derek Frey, Leah Gallo & Holly Kempf

*PLUS*

Des contributions personnelles d’amis et de collègues réalisateurs comme:

Allison Abbate, Colleen Atwood, John August, Rick Baker, Helena Bonham Carter, Felicity Dahl, Johnny Depp, Danny DeVito, Danny Elfman, Carlos Grangel, Ray Harryhausen, Martin Landau, Rick Heinrichs, Christopher Lee, Lindsay MacGowan, Shane Mahan, Ian Mackinnon, Alex McDowell, Victoria Price, Ken Ralston, Paul Reubens, Deep Roy, Winona Ryder, et Richard Zanuck.

Réservation dès Novembre
Pour plus d’information, n’hésitez pas à vous enregistrer dans la gallerie privée de TimBurton.com!

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1. Naissance, enfance, adolescence

Il grandit dans la maison familiale de Burbank, une petite ville Californienne située aux alentours de Los Angeles qui avait pour particularité d’accueillir bon nombre de studios de cinéma très renommés tels Columbia, Warner Bros. et surtout Disney.
Bien que Burbank puisse sembler être un endroit particulièrement excitant pour le futur réalisateur que sera Tim Burton; il n’en garde que le souvenir d’une ville plutôt paisible mais sans âme, peuplée de gens à la normalité déconcertante et à l’ouverture d’esprit toute relative, figure d’une certaine Amérique qu’il s’essaiera plusieurs fois à dénoncer dans son travail ultérieur.

Introverti et éprouvant des difficultés autant à la maison qu’à l’école, il passe le plus clair de ses temps libres à regarder des films de monstres et d’horreur, à la télé ou au cinéma. Il y découvre donc un certain cinéma qui aura une influence cruciale sur sa carrière à venir, à travers les films de la Hammer (un studio anglais qui produisit des films d’horreurs “gothiques” depuis la fin des années 50 aux années 70), l’emblématique acteur Vincent Price (auquel il rendra plus tard hommage et qui deviendra son ami) ou l’excentricité du réalisateur Ed Wood (au sujet duquel il fera également un film).

Quand tu es plus jeune, tu crées ta propre mythologie et tu détermines ce qui te touche. Et ces films, leur poésie, ces personnages plus grands que nature qui traversaient tant de tourments – la plupart imaginaires – m’interpelaient comme d’autres enfants ont pu être interpelés par les films de Gary Cooper ou John Wayne.»

A part cela, il est un enfant comme les autres, qui aime dessiner, jouer ou regarder passer les avions décollant et atterrissant de l’aéroport tout proche.
Quelques faits anecdotiques marquent tout de même son enfance, comme le fait de terroriser son petit voisin en lui faisant croire à l’invasion imminente des martiens; ou encore le fait que ses parents aient muré, pour une raison inconnue, la fenêtre de sa chambre donnant vue sur le jardin. Il se voyait alors obligé d’escalader son bureau pour pouvoir apercevoir l’extérieur, événement qu’il associa “à la nouvelle d’Edgar Allan Poe où un homme est emmuré vivant et brûlé vif. Voilà le genre de sentiments que j’éprouvais à l’égard de mon monde. Burbank, cet endroit mystérieux!“.

S’entendant apparemment peu avec sa famille, il quitte la maison familiale à 12 ans, et s’en va vivre chez sa grand-mère, qui lui louera ensuite un petit studio à ses 16 ans.

2. Tim Burton au pays enchanté

i. Calarts

En 1976, alors âgé de 18 ans, Tim et son talent très précoce sont repérés par des chasseurs de têtes travaillant pour Disney et il obtient une bourse pour intégrer CalArts (California Institute for the Arts), une école fondée par le studio pour constituer un “réservoir” de talents dont beaucoup travailleront ensuite au sein de la célèbre entreprise.

Il y rencontrera certaines pointures actuelles (John “Pixar” Lasseter, Brad Bird, John Musker, Glen Keane…) et quelques uns de ses futurs collaborateurs, dont Rick Heinrichs ou encore Henry Selick (réalisateur de l’Étrange Noël de Mr Jack) qu’il côtoiera au cours d’animation expérimentale enseigné par Jules Engel.
S’il supporte mal l’enseignement “militaire” de l’établissement, il y réalise Stalk of The Celery Monster par lequel il se fera remarquer avant d’être embauché comme animateur dans le studio.

ii. Tim Burton employé chez Disney

Il y passera trois années difficiles, incapable d’intégrer les “codes” formatés du studio et faisant preuve d’une ténacité à toute épreuve en refusant de faire des concessions sur ses opinions artistiques, et comprenant mal qu’on exige de lui et de ses collègues d’être “à la fois un artiste et un zombie oeuvrant sans personnalité. Il faut être quelqu’un d’unique pour pouvoir faire coexister ces deux états dans un même cerveau.”

a. Animateur

Il y travaillera entre autres sur Tron (non crédité, en tant qu’animateur), The Lords of The Rings (non crédité, en tant qu’intervalliste), ainsi que sur Rox et Rouky (en tant qu’animateur) :

Je n’arrivais même pas à imiter le style Disney. Les miens [renards] ressemblaient à une route défoncée.(…) J’avais l’impression de subir le supplice de la goutte d’eau. (…) Je n’avais pas la force d’endurer cela, c’était au-dessus de mes forces.

Il adapte son comportement en conséquence, dormant souvent entre 8 et 10 heures par jour, auxquelles il faut ajouter jusqu’à parfois 4 heures de sommeil supplémentaires pendant ses heures de travail, les yeux clos mais bien assis derrière sa planche à dessin, le crayon à la main, prêt à gribouiller à la moindre entrée inattendue dans son bureau…

Je me comportais de manière étrange (…). Je m’installais fréquemment au fond d’une armoire dont je ne sortais pas, ou je m’asseyais sur mon bureau – ou en-dessous –, ou je faisais des trucs étranges comme me faire arracher une dent de sagesse et inonder de sang les couloirs. Mais je suis arrivé à dépasser ce stade. Je ne m’enferme plus dans une armoire. J’étais gardé à distance respectable, mais j’avais la paix.

b. Art Conceptor

Ensuite, il accède avec un bonheur relatif à un poste d’artiste-concepteur sur Taram et le Chaudron Magique, ce qui lui permet de jeter librement sur papier ses idées fantasques, indépendamment du fait qu’aucune ne sera retenue pour le film. Burton démarre une petite dépression.

J’ai épuisé, pendant cette période, mon réservoir d’idées pour 10 ans. Lorsqu’au bout de toutes ces années, je me suis rendu compte qu’ils n’avaient rien utilisé, ça m’a fait tout bizarre. Je me sentais comme une princesse prisonnière. Je pouvais dessiner tout ce que je voulais, mais j’avais l’impression d’être dans une cellule que la lumière du jour n’éclairait jamais.

c. Vincent, Frankenweenie et Hansel & Gretel

Après cette période difficile, il finit pourtant par obtenir le soutien de Julie Hickson et Tom Wilhite, respectivement productrice exécutive et responsable du développement créatif chez Disney.
Ils réussiront à débloquer eux-même, de manière plus ou moins subversive, les fonds (60 000 $) qui permettront à Tim Burton de réaliser un petit bijou d’animation basé sur un poème qu’il voulait à la base éditer en livre : Vincent.

Ce film en stop-motion met en scène un enfant, Vincent Malloy, partagé entre sa vraie vie de petit garçon (à laquelle lui rappelle à plusieurs reprises sa mère) et son identification à Vincent Price, le héros de Tim Burton.

Une voix off, celle de l’acteur lui-même que Burton arrivera à associer au projet, récite sur les images le poème écrit par Tim sur un ton proche des textes d’Edgar Allan Poe, dont il emprunte une citation, en clôture le court-métrage.
Tim Burton deviendra un ami de Vincent Price et lui confiera plusieurs rôles, de même qu’il commença un documentaire -jamais terminé- sur lui, Conversations with Vincent.

J’ai toujours gardé contact avec lui [Vincent Price], même de façon relâchée (…) Il faisait partie de cette génération de gens avec qui on reste toujours connecté même s’il arrive qu’on ne se voit pas régulièrement. (…) Il était très encourageant. J’avais toujours l’impression qu’il comprenait exactement le propos du film, peut-être même plus que moi (…). Il en comprenait la psychologie sous-jacente.

Parmi les 3 collaborateurs à la réalisation du film, notons la présence de Rick Heinrich qui sera l’un des “fidèles” de Tim Burton tout au long de sa carrière et qui aidera à définir son style visuel.

Ensuite, toujours pour le compte de Disney et la même année, il tourne son premier film “live”, Frankenweenie, toujours produit par Julie Hickson.
Ce moyen-métrage est une variation du film Frankenstein où un enfant joue les apprentis sorciers en faisant ressusciter son chien après que celui-ci se soit fait renversé par une voiture.
Il dirige Shelley Duvall (Shining) et la toute jeune Sofia Coppola (dans un rôle secondaire).

Néanmoins, ces deux essais -réussis-, trop atypiques par rapport à la ligne rigide du studio qui se cherche encore peu de temps après la mort de Walt, sont relégués au fond des tiroirs de Disney et ne connaîtront qu’une diffusion marginale (Vincent devait initialement être projeté en première partie de Pinocchio), entre autres dans des festivals d’animation dont celui de Bruxelles en 1984.
Burton y recevra un très bon accueil et se dira plus tard redevable à la Belgique à ce titre.
Frankenweenie lui aussi récompensé, se voit également condamné après avoir été classé “PG” (interdit aux moins de 12 ans) par la censure.
Burton ne digérera pas le choc.

Dans la foulée de Vincent et Frankenweenie, il réalise également avec 166 000$ Hansel & Gretel, adaptation “kung fu” (où les héros sont joués par deux asiatiques) du conte des frères Grimm qui sera diffusé une nuit d’Halloween sur Disney Channel, remportant un succès mitigé.

C’est également chez Disney que Tim Burton jette les premières bases d’une histoire se déroulant à “Halloweenland” et mettant en scène un certain Jack Skellington… Mais ceci est pour plus tard!

iii. Bye Bye Mickey !

Las qu’on lui reconnaisse ouvertement son talent mais qu’on se refuse à l’exploiter en raison d’une ligne politique et artistique “trop sage”, il claque la porte des studios en 1984 et en garde depuis un souvenir amer.
Ce qui ne l’empêche pas d’entretenir avec eux une relation étroite et ambigüe, sorte de “je t’aime – moi non plus” : comme l’explique très bien Mathieu-Alexandre Jacques dans “L’énonciation de l’interdit – ou comment Tim Burton a dynamité de l’intérieur les formations imaginaires proposées par Disney“, le réalisateur intègre en effet très bien le “monde de Disney”, qui figure chez lui une présence spectrale, sorte d’ombre dont le créateur de Batman ne semble pouvoir s’émanciper totalement.
Il connaît parfaitement la “grammaire” du studio, et partage certaines de ses thématiques (le merveilleux, par exemple), mais qu’il aborde sous un tout autre angle.
Le manichéisme Disneyien n’existe par contre pas chez Tim Burton, qui préfère mettre en scène des personnages à la psychologie plus complexe, qui ne sont ni tout à fait bons, ni tout à fait méchants (sa Catwoman est une incarnation parfaite de cette affirmation).

3. Premières réalisations

Vincent et Frankenweenie attirent l’attention de l’industrie du cinéma, et il est approché par Griffin Dunne pour réaliser After Hours.
Martin Scorsese, qui est à l’époque en stand-by alors qu’il essaie de réunir les fonds pour sa Dernière Tentation du Christ, se montre également intéressé par le projet.
Burton, fair-play, lui cédera le passage.

i. Pee Wee’s Big Adventure, The Jar & Aladdin

Peu de temps après, c’est Paul Reubens, animateur d’une émission télé pour enfants, qui vient trouver Burton pour réaliser une adaptation de son Pee Wee Herman Show.
Tim Burton accepte le pari et s’entoure d’une bonne équipe technique.
C’est la première fois qu’il a affaire avec un gros studio hollywoodien, en l’occurrence la Warner Bros.
Pour la musique du film, il fait appel au chanteur du groupe Oingo Boingo, Danny Elfman, qu’il avait déjà vu en concert alors qu’il était étudiant.
Bien que peu sûr de lui du fait de son absence de formation musicale “traditionnelle”, Elfman se révélera être un compositeur de bandes originales particulièrement prolifique, autant pour Tim Burton que sur d’autres films ou séries télé.

Warner Bros. était prêt à prendre des risques sur Pee Wee’s Big Adventure, parce que le budget du film était minuscule. Ils ont parié sur moi. Ils ont parié sur Danny. (…) Quand je l’ai entendue jouée [la musique] par un orchestre, ça a été un choc. Ça a été une des expériences les plus mémorables de mon existence. C’était la première fois que la musique était un personnage à part entière d’un de mes films.

Il forme avec Elfman l’un de ces grands couples réalisateur/compositeur tels que Hitchcock/Herrmann, Fellini/Rota ou Spielberg/Williams.
L’Étrange Noël de Mr Jack est une étape particulière puisque la participation d’Elfman y est majeure (importance narrative de la musique et des chansons) et endosse le rôle de Jack lors des chansons.
Néanmoins, Burton refuse à Elfman le rôle “parlé” de Jack, ce qui sera à l’origine d’une dispute qui aboutira à une rupture, le temps d’un film (Ed Wood), entre les deux artistes.
C’est en effet à Howard Shore que Burton fera appel.

Burton déclare avoir été très en phase avec Pee Wee’s Big Adventure, affectionnant l’univers de Pee Wee l’homme-enfant, son imagerie… et le fait que sa préoccupation majeure ne soit pas de sauver le monde, mais de… retrouver sa bicyclette.
Il arrivera à insuffler dedans sa touche personnelle et à relever des thématiques qui lui sont chères.
Sa complicité avec Paul Reubens fut très importante :

Si Paul et moi n’avions pas eu les mêmes goûts, ou n’avions pas été en osmose, ça aurait été un véritable cauchemar, d’autant plus qu’à cette époque de ma vie j’avais du mal à communiquer. J’aurais même été viré, car la star c’était lui.

Le film ne sera pas un chef-d’œuvre, mais fut un succès au box-office (rapportant 40 000 000 $ soit 7 fois son investissement de départ) et accrédite Tim Burton en tant que réalisateur de longs-métrages, malgré une critique partagée et même parfois méchante.

Il y a [dans l'industrie du cinéma] tellement de forces qui peuvent te démolir – les critiques, le box-office et le film lui-même – que ça t’oblige à garder une certaine humilité, à garder les pieds sur terre.

Il dirige par la suite deux petits téléfilms, l’un étant un remake de The Jar pour l’émission Alfred Hitchcock Presents, et l’autre, Aladdin and his Wonderful Lamp, adaptation du célèbre conte des 1001 nuits pour le Faerie Tale Theatre.
L’hôtesse de ce show n’est autre que Shelley Duvall, qui fut précédemment dirigée par Burton dans Frankenweenie.
Ces deux réalisations sont assez mineures dans sa filmographie, disposant de faibles budgets et de délais assez courts. Tim Burton comprendra, en les réalisant, qu’il a du mal à s’approprier un matériau duquel il ne se sent pas proche, et cela sera désormais un critère primordial dans ses choix de réalisateur.
Cependant, Aladdin… comporte quelques séquences où l’empreinte de Tim Burton est clairement visible.

4. Tim Burton fait une entrée fracassante dans la cour des grands;

Les deux projets suivant de Tim Burton assoieront le réalisateur à Hollywood, faisant preuve d’une capacité à transformer les projets difficiles en succès mondiaux.

Côté vie privée, sa relation avec Julie Hickson, de qui il était très proche chez Disney avant que leur relation n’évolue en idylle, prend fin peu après la sortie de Pee Wee. Cela aurait marqué un tournant important dans sa vie (d’après Vanity Fair).

i. Beetlejuice

Après avoir refusé une série de mauvais scripts, il tombe sur Beetlejuice, une comédie macabre d’après une histoire de Michael McDowell et Larry Wilson.
Tim Burton y exploite fortement le potentiel comique ainsi que les personnages de Betelgeuse et de Lydia, qui devaient originellement occuper une moindre place.
En effet, le film d’origine devait à la base s’appeler The Maitlands et être réalisé par le maître du film d’horreur, Wes Craven (Nightmare on Elm Street, Scream).
Beetlejuice marque également la rencontre de Tim Burton avec Michael Keaton (Betelgeuse) et Winona Ryder (Lydia), à qui il confiera par la suite d’autres rôles en or.
Il y dirige également Catherine O’Hara, Jeffrey Jones et Glenn Shadix, acteurs récurrents de sa filmographie.

ii. Batman

En 1979, la Warner avait acquis les droits d’adaptation du comics de Bob Kane, Batman.
Tim Burton, toujours sous contrat dans le studio, incarne à leurs yeux la personne qui saura sublimer ce personnage mythique de la culture américaine, passant devant Joe Dante (Gremlins) et d’autres réalisateurs approchés dans un premier temps.
Il avait en effet été décidé que le projet lui serait cédé s’il répétait un deuxième succès au box-office après Pee Wee, condition remplie avec la réussite de Beetlejuice.
Si Batman sera une réussite, c’est le premier film d’une longue série dans laquelle Tim Burton sera confronté à des problèmes de divergences d’opinions face aux studios.
Ici, la Warner, appuyée par des milliers de lettres de fans mécontents, remet en cause le choix de faire endosser le costume de la chauve-souris à Michael Keaton.
L’acteur est en effet à l’époque fiché “comique” et dispose en outre d’un physique assez standard.
Ce dernier aspect est, selon Burton, primordial : pour lui, Batman n’est pas un super-héros au sens propre du terme (c’est-à-dire possédant des super-pouvoirs), mais un homme ordinaire (avec un physique ordinaire, donc) qui endosse un costume de justicier.
En outre, Tim Burton s’éloigne fortement du Batman kitsch et lisse des adaptations existantes (la célèbre série télé des années 60 avec Adam West) et propose un personnage très sombre et tourmenté, en cela beaucoup plus proche du comics original et surtout des travaux de Frank Miller et Alan Moore des années 80.
Il fallut même, pour calmer les ardeurs des fans, diffuser une première bande-annonce montée à partir des rushes et prouvant la qualité du travail accompli.
En dépit de tout cela, le film fut le seul de toutes les adaptations de Batman à gagner un Oscar, remis à Anton Furst pour les décors.

Les campagnes de marketing et de merchandising associées à la sortie du film furent également d’une ampleur encore inédite à l’époque, et le film rapporta plus de 10 fois son investissement initial de 40 millions de dollars, devenant l’un des plus gros hits de tous les temps au box-office.
Batman eut également une influence importante sur les autres films de super-héros à venir.

5. Les débuts des années 90 : 3 films, 3 succès

Fort de ces énormes succès, Burton entre dans les années 90 fraîchement marié (le 24 février 1989) avec l’artiste allemande Lena Gieseke et en ayant gagné la confiance du public et des studios. Il se tourne dès lors vers des films plus personnels et aux budgets moindres; considérés par beaucoup comme ses meilleurs.

i. Edward Scissorhands

A commencer par Edward Aux Mains D’Argent, un conte merveilleux (au sens propre du terme) co-écrit avec Caroline Thompson d’après une idée originale de Tim Burton.
L’histoire, comme la plupart de ses films de l’époque, comporte une dimension fortement autobiographique.

Les influences principales du scénario proviennent de Frankenstein, La Belle Et La Bête, Le Fantôme De L’Opéra et enfin de Der Struwwelpeter, un conte allemand du 19ème siècle traitant du fait de bien se comporter et où un enfant refuse, par exemple, de se laver ou… de se couper les ongles.

La Warner, qui avait produit les 3 films précédents de Burton, se montre peu intéressée et c’est donc la Fox qui décide de l’aider à monter son projet.
Pour l’acteur principal, le studio propose un acteur très en vogue à l’époque, Tom Cruise.
Burton, peu emballé, accepte de le rencontrer mais jettera finalement son dévolu sur celui qui, à l’époque, était surtout connu pour son rôle de playboy dans la série teenage 21 Jump Street : Johnny Depp.
Leur rencontre, racontée par Depp dans la préface du livre Burton on Burton de Mark Salisbury, provoque des étincelles.
Le beau gosse de la télé incarnera un Edward tout en finesse, et deviendra l’ami de Burton, son complice et son alter ego à l’écran; par la même occasion qu’il démarrera au cinéma la carrière qu’on lui connaît.

Les costumes, qui ont dans ce film une importance toute particulière, seront réalisés par Colleen Atwood qui deviendra une « régulière » de Tim Burton.

Le film frappe les esprits de par sa poésie, sa musique et sa beauté visuelle; et est considéré comme le chef-d’oeuvre de Tim Burton.

ii. Batman Returns

1991. La Warner rappelle Burton pour réaliser la suite de Batman.
Après d’âpres discussions, Tim Burton accepte, en échange d’une lourde contrepartie financière et à la condition qu’il ait un contrôle total (ce qui est bien sûr relatif) sur le film.
Histoire d’éviter que le studio se mêle de son travail comme il l’avait fait sur le premier Batman, que Burton considère avec du recul comme son film le moins personnel.

Bien que la Warner ait accepté la condition de Burton, ils ne cessent de lui tirer dans les pattes : son intérêt pour Batman Returns va en effet de pair avec l’introduction de nouveaux « méchants » : Selina Kyle alias Catwoman (Michelle Pfeiffer), et Oswald Cobblepot, le formidable pingouin incarné par Danny DeVito.
Ces deux personnages sont mis, à titre d’importance, sur le même pied que Batman, voire même en avant par rapport au héros du film. L’opposition bien/mal est encore moins perceptible, et la moralité des personnages est toute relative.
En outre, le film est bien plus personnel et encore plus sombre que le premier opus.
Catwoman est affublée d’un caractère très « sexuel », ce qui dérangera bon nombre de personnes, qui arguent que le film ne convient pas à un public d’enfants.
McDonalds, poussé dans le dos par des associations de parents, va même jusqu’à annuler son partenariat marketing avec la Warner pour ce film.

Véritable explosion visuelle, lectures à plusieurs niveaux, c’est une réussite totale. Certaines scènes sont tout bonnement époustouflantes, comme la scène de défenestration de Catwoman par Max Shreck, sa transformation, ou encore la scène du bal où Batman et Catwoman, les ennemis masqués, se rendent compte de leur identité respective alors qu’ils sont en train de danser.
La partition d’Elfman, elle aussi, est un petit bijou.

Batman Returns fut cependant le film le plus dur à tourner pour lui : 24 semaines éprouvantes que Tim Burton qualifiera plus tard de « cauchemar ».
Période qui plus est assombrie par le suicide de son ami Anton Furst (décorateur sur Batman – le premier opus), dont le magazine people Vanity Fair le rend responsable dans un article outrageux.
Le réalisateur traverse une phase de dépression, dans laquelle sa remise en cause est totale puisqu’il songe à arrêter la réalisation pour ne plus se consacrer qu’à la peinture.

Le film, plus critiqué que le premier, n’est pas un aussi gros succès au box-office mais s’en sort tout de même très bien. Ces deux éléments verront la Warner s’interroger sur la suite de l’histoire à l’écran de l’homme chauve-souris.
Ils décideront d’engager Joel Schumacher pour deux suites, Batman Forever (1995) puis Batman & Robin (1997).
Tim Burton garde un oeil sur Batman Forever (un titre qu’il qualifie de « tatouage que l’on se serait fait sous l’usage de drogues ») puisqu’il reste au générique en tant que producteur exécutif.

iii. Lisa Marie

Peu après Batman Returns, Lena Gieseke et Tim Burton divorceront.
À partir de la Saint-Valentin ’92, Il sort avec Lisa Marie, une ancienne mannequin avec qui il a eu un coup de foudre dans un night-club la nuit de nouvel an 1991.
Elle apporta beaucoup de choses à Tim Burton, et Henry Selick aurait même déclaré qu’elle lui sauva en quelque sorte la vie.
En effet, selon Wikipedia (qui cite Selick), Burton s’apprêtait à « suivre Anton Furst » (son ami et décorateur sur Batman qui s’était suicidé en novembre 1991).
Tim Burton restera 9 ans avec sa nouvelle compagne. Elle fut pour lui une source d’inspiration, en particulier pour The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories, qui lui est dédicacé.

Il y a beaucoup de Lisa Marie dans ces nouvelles. Elle m’apporte beaucoup.

Lisa Marie eut des secondes rôles dans 4 longs-métrages de Tim Burton. Le plus mémorable reste celui de la femme martienne dans Mars Attacks!.

iv. Tim Burton’s Nightmare Before Christmas

En 1982, alors qu’il était chez Disney, Tim Burton avait écrit un poème narrant les (més)aventures de Jack Skellington, roi du pays d’Halloween.
Las de semer la terreur, il découvrait au hasard d’une promenade le pays merveilleux de Noël et tentait par la suite de le fêter à sa façon…
Inspiré par le style du Dr. Seuss et en particulier de son How the Grinch stole Christmas; le projet est -à nouveau- jugé trop noir par Disney, et Tim Burton manque de moyens pour le lancer. Il restera donc dans dans les cartons.

1990. Maintenant que la donne a changé pour Tim Burton, il décide de monter le projet.
Bien que les droits appartiennent à Disney, il arrive à les convaincre de financer son film.
Son film ? Pas entièrement, puisque c’est Henry Selick qui le réalisera.
Tim Burton est en effet trop occupé à s’emmêler les pinceaux sur Batman Returns; mais il n’empêche que c’est son projet, avec son histoire, ses personnages et son univers visuel…
Et puis surtout, il rappelle à nouveau Danny Elfman pour s’occuper de la musique, qui a ici une importance toute particulière puisque Nightmare Before Christmas prend la tournure d’un film musical.
L’élaboration du long métrage se fera donc dès l’écriture en étroite collaboration avec le compositeur.
Viendra d’y greffer par la suite Caroline Thompson (la scénariste d’Edward Scissorhandset co-scénariste de Corpse Bride), avec qui il montera Skellington Prod (renommé en Twitching Images dès 1994) pour s’occuper de la production du film.

Véritable défi technique, 14 animateurs y travaillent simultanément 12 heures par jour et 6 jours semaine pendant plus de 2 ans.
Ils ne produisent « que » (dans le domaine de l’animation, c’est relatif) 60 secondes d’animation par semaine, jonglant avec plusieurs dizaines de poupées ayant chacune de nombreuses têtes interchangeables (180 pour Jack) à animer dans des décors somptueux traversés, qui plus est, par des mouvements de caméra compliqués calculés par ordinateur.

Le film n’aura coûté que 50 millions de dollars et remporte un grand succès, qui sera plus tardif en Belgique et en France.
Il est encore aujourd’hui objet d’un véritable culte, et un tas de produits dérivés on fait leur apparition.
En 2006, Disney travaille en collaboration avec ILM pour remasteriser le film en relief à travers un procédé assez compliqué. Pour l’occasion, la bande originale est rééditée, accompagnée d’un 2ème CD sur lesquel des artistes connus (dont Marilyn Manson) reprennent certains titres d’Elfman.

6. Tim Burton inquiète Hollywood

i. Cabin Boy et Mary Reilly

Dans la foulée de L’Étrange Noël, Tim Burton et Denise Di Novi produisent pour Disney le Cabin Boy de Adam Resnick, un hommage bizarre à la série des Simbad.

Le film est un échec critique et public, bien qu’il retrouva un succès modeste lors de sa sortie en VHS, avec lequel il devint l’objet d’un certain culte.

Il enchaîne sur Mary Reilly, une adaptation de Dr Jekyll et Mr Hyde pour laquelle Winona Ryder est pressentie comme actrice principale.
La Columbia met directement la pression sur Tim Burton en essayant de troquer Winona contre Julia Roberts et en le menaçant de ne pas travailler assez vite : « il y a cinq autres réalisateurs qui veulent faire ce film ».
Tim Burton comprend vite que l’entente sera à nouveau difficile entre lui et les studios, et abandonne le projet. Ce dernier sera finalement repris par Stephen Frears, avec… Julia Roberts.

ii. Ed Wood

Durablement marqué par les films de son enfance, Tim Burton décide, en parallèle avec Mary Reilly, de développer un film moins « lourd » que ce qu’il avait fait pour l’instant à Hollywood: Ed Wood.
Le film est une biopic, hommage à Edward Davis Wood Jr., souvent qualifié de « pire réalisateur de tous les temps ».
Burton devait dans un premier temps seulement le produire, mais, séduit, décide rapidement d’en assumer la réalisation d’après un script de Scott Alexander et Larry Karaszewski.
Il exige un contrôle artistique complet sur le film, et plusieurs studios se succèdent pour produire le projet, avant que Disney lui garantisse cet aspect.
Disney ? Le studio essaie en effet de s’impliquer à l’époque dans des projets qui pourraient aider à retrouver sa gloire perdue.
Le budget est peu élevé, les acteurs sont payés très modestement, et Tim Burton décide de le tourner en noir et blanc.
Bien que le film soit d’origine biographique, quelques éléments inventés y sont glissés, comme par exemple la rencontre de Wood avec Orson Welles (réalisateur de Citizen Kane), surnommé quant à lui « le meilleur réalisateur de tous les temps ».
Ed Wood sera incarné par Johnny Depp, et c’est Martin Landau qui se glisse dans la peau de Bela Lugosi, l’acteur fétiche/héroïnomane de l’excentrique réalisateur. Il remportera un Oscar du meilleur second rôle pour cette prestation.
Il est très probable que l’intérêt de Burton pour ce film et sa mise en avant de la relation Wood/Lugosi ait un rapport avec son histoire personnelle avec Vincent Price, mort peu auparavant.
Une fois n’est pas coutume, c’est non pas Danny Elfman (ils s’étaient querellés sur l’Étrange Noël) qui compose la musique mais Howard Shore, écrivant une musique assez proche de ce que le compositeur attitré de Burton aurait pu faire.
Le film offre un aperçu de la polyvalence de Tim Burton que l’on croit souvent -à tort- incapable de faire autre chose que des films « gothiques ».
Ce sera un succès critique mais un échec commercial, seul film de Tim Burton à avoir fait un chiffre d’affaire inférieur à son budget de départ.

iii. James and the Giant Peach

Toujours avec Denise Di Novi, Burton produisent à nouveau un film ensemble : James and the Giant Peach, sorti en 1996.
Le film est un mélange de live et d’animation, réalisé par Henry Selick (l’Étrange Noël de Mr Jack).
La production de ce film témoigne de l’intérêt qu’a Burton pour Roald Dahl (et son illustrateur fétiche Quentin Blake), intérêt qui sera renouvelé plus tard avec la réalisation de Charlie et la Chocolaterie.

iv. Mars Attacks!

Jonathan Gems, qui est un collaborateur régulier de Burton depuis Batman, tomba un jour sur un jeu de cartes collector Mars Attacks! (série de cartes à collectionner que la société Bubbles Inc. avait lancée en 1962 – vous pouvez les voir dans la section dédiée au film) et les présente à Tim Burton.
Séduit par la trouvaille alors qu’il travaille à l’époque sur un film dédié à Catwoman, il rappelle quelques mois plus tard pour lui demander d’écrire un scénario basé sur l’univers du jeu de cartes.
Burton se pose à l’époque beaucoup de questions sur l’évolution politique du monde et en particulier de l’Amérique, et aime la dimension critique que le film peut apporter à cet égard.
Ils décident de s’inspirer en grande partie de tous les films d’invasions des années 50.
Le budget de Gems doit être revu plusieurs fois à la baisse (280 millions de dollars au départ, réduits à environ 75), et les martiens seront animés en image de synthèse par ILM alors qu’il avait un temps été envisagé d’utiliser le stop-motion, trop long à mettre en oeuvre et moins indispensable sur ce film.
Le casting comporte une série impressionnante de stars reconnues dont Jack Nicholson, Glenn Close, Pierce Brosnan, Annette Bening, Danny DeVito, Michael J. Fox, Natalie Portman, Lukas Haas, Sarah Jessica Parker et Tom Jones…).
Le film, qui sort en 1996, est cependant très mal accueilli par une Amérique souvent trop patriotique et pudique, tandis qu’il connaîtra un assez grand succès international, en particulier en Europe ou la critique décalée du réalisateur à l’égard de son propre pays amuse beaucoup.

Comble du hasard, Independance Day sort quasiment au même moment, avec une vision tout à fait… différente du problème.

v. Superman Lives: Un projet avorté

La Warner contacte Burton en 1997 pour réaliser un cinquième volet de sa série Superman, Superman Lives (Superman est toujours vivant) d’après un scénario de Kevin Smith et avec Nicolas Cage dans la peau de l’homme au costume moulant.
Burton démarre au quart de tour et la phase de développement du film démarre, avec Elfman pressenti pour la musique.

Sa première décision artistique est de se débarasser du script de Smith, qu’il juge trop complexe, et de le confier à Wesley Strick, scénariste qui avait participé à l’écriture de Batman Returns.
En travers de la route de Clark Kent, c’est semble-t-il Jack Nicholson qui aurait été pressenti pour le rôle de Lex Luthor.

Après un an de développement (dont les frais sont estimés à 20 millions de dollars), la construction des décors débute en Pennsylvanie, sous la direction artistique de Rick Heinrich.
Il ne faudra pas six semaines à Terry Sernel, président adjoint de la Warner, pour virer le nouveau scénariste et interrompre la pré-production.
Le studio cherche à limiter le budget du film et à ré-imposer Smith en tant que scénariste, avant d’en changer une nouvelle fois pour Dan Gilroy.

Entre temps, Danny Elfman quitte le projet et la Warner pousse Nicolas Cage à en faire de même (il aurait reçu 17 millions de dollars pour « claquer » la porte).

Octobre 1998. Les tensions entre la Warner, Jon Peters (le producteur au caractère autocratique avec lequel Burton avait déjà dû composer sur Batman) et Tim Burton sont trop fortes.
Sur Internet, les esprits des fans s’échauffent. Tim Burton est remercié, tandis que Nicolas Cage est rappelé.
La Warner continue à faire défiler les candidats aux divers postes du film, avant que le projet soit définitivement abandonné après le départ de Cage en 2000.

7. Tim Burton Lives: la renaissance

i. The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories

Le bébé d’Helena et Tim est né samedi : c’est une fille !

SWEENEY TODD collaborators Helena Bonham Carter and Tim Burton became parents for the second time on Saturday evening, December 15th in London. Their newborn daughter (no name or birth details have been announced) joins big brother Billy Ray, 4. “They are absolutely delighted they have a daughter,” Helena’s press representative Karon Maskill told PEOPLE Magazine. “It’s a lovely Christmas present for the family.” The Burton baby girl is already knows when to make an entrance; she waited for her parents to receive their Golden Globe Awards nominations before taking her own turn in the spotlight.

source : Johnnydeppzone

Félicitations aux parents !

Il a l’amabilité de nous le faire parvenir et de nous proposer de le diffuser !

[...]Et aussi parce que je me suis un peu servi de ton site pour le réaliser, entre autres pour des éléments de biographie, pour la filmo et pour des citations par ci, par là. Tu es bien sûr cité dans mes sources.

Je ne l’ai pas (encore) lu complètement, mais il présente le réalisateur, met en relation sa carrière au cinéma avec sa vie professionelle film à film, et approfondit les films Beetlejuice et Corpse Bride (thématiques, etc etc).  Danny Elfman y est aussi présenté.

Le dossier fait 94 pages et semble très bien fait ! (sources présentes,etc -j’y suis crédité en tant que LACHANCE Gordie ).

Bref, ça vaut le détour !

La mort mise en scène au cinéma: Une réflexion à travers l’oeuvre de Tim Burton

Tim Burton recevra un lion d’honneur pour l’ensemble de sa carrière lors du prochain Festival de Venise.

+ d’infos

Court Métrage étudiant tourné en super 16 mm.
Titre : La Véritable Histoire de Tim Burton : Chapitre
Premier, le Coiffeur.
Scénario Original.
Pitch : Tim Burton nous conte son enfance, et débute par le chapitre du coiffeur. Il se remémore ses souvenirs, mais ses visions personnelles se mélangent avec la réalité.

En 1982, Julie Hickson et Tom Wilhite lui proposent 60 000 $ pour réaliser Vincent. Animation tournée en plan par plan, ce film préfigure L’Étrange Noël de M. Jack, réalisé selon le même procédé. “C’est un vieux procédé artistique génial, il s’agit avant tout d’artistes qui peignent les décors et fabriquent les personnages… il y a quelque chose dans l’animation plan par plan, qui donne une énergie que l’on ne peut retrouver dans aucune autre forme (…) une énergie que l’on ne peut même pas décrire. Cela a à voir avec donner de la vie à des choses et je crois que c’est pour cela que j’ai voulu être animateur au départ. Pour donner la vie à des choses qui n’en avaient pas… Cette énergie capturée, c’est quelque chose que les ordinateurs ne pourront jamais remplacer parce qu’il leur manque précisément cet élément (…) Bien sûr les ordinateurs permettent des choses étonnantes mais la main d’un dessinateur a quelque chose de si beau, de si matériel ! Le travail manuel relève je crois d’une énergie infra-verbale inconsciente” confia le réalisateur en verve, aux Cahiers du Cinéma.

Hommage à son idole Vincent Price, Vincent est tiré d’un de ses premiers poèmes. Il raconte la vie d’un petit garçon de sept ans qui se prend pour un acteur de films d’horreur et se fabrique un monde onirique inspiré d’Edgar Allan Poe. Pour incarner le narrateur de l’histoire, Burton fait appel à Vincent Price lui-même. “Ses films m’aidaient à comprendre à aller mieux, confie le réalisateur. Je me sentais en accord avec eux, car j’avais grandi très isolé, très renfermé, et la vie autour de moi semblait très abstraite. Ces films traitaient bien souvent de ce genre de sentiments…” Cette rencontre fut une expérience fondatrice et les deux complices gardèrent contact jusqu’à la mort du vieux comédien. Celui-ci devint son mentor et le soutint dans toutes ses entreprises. “J’ai toujours gardé contact avec lui, même de façon relâchée (…) Il faisait partie de cette génération de gens avec qui on reste toujours connecté même s’il arrive qu’on ne se voit pas régulièrement (…) Il était très encourageant. J’avais toujours l’impression qu’il comprenait exactement le propos du film, peut-être même plus que moi (…). Il en comprenait la psychologie sous-jacente.”

Il l’employa également en 1990, dans le rôle du savant créateur, qui meurt avant d’avoir terminé Edward restant avec ses mains d’argent. Signe du destin, l’acteur meurt avant d’avoir pu incarner le rôle d’un autre narrateur, celui de L’Étrange Noël de M. Jack, ce qui bouleversa Burton qui l’imaginait dans ce rôle dès les premiers jours de cette création. Vincent marque le premier pas du jeune réalisateur vers un succès jamais démenti. Pourtant, si Tim Burton est devenu un des réalisateurs préférés des studios, à tel point que le Première Américain le plaça en 1992 à la 27ème place de son top 100 des personnes les plus influentes à Hollywood, il garde une intégrité artistique difficilement contestable. Ainsi, nous découvrons de Pee-Wee’s Big Adventures son premier long réalisé en 1985 à Batman : le Défi (1992) une œuvre cohérente et personnelle.

Le succès commercial de tous ses films le classe dans la catégorie banquable dès Pee-Wee. Néanmoins, toujours intègre, il conserve une sincérité dans sa démarche, et n’accepte de réaliser que des sujets dont il se sent proche. C’est également pour cette raison qu’il tourna les deux Batman. L’univers visuel ainsi que les thèmes fondateurs de ce mythe : la double personnalité, l’utilisation des masques, la frontière entre le bien et le mal… se retrouvent plus ou moins exploités à travers toute sa filmographie. Les gens ne réalisent pas qu’il faut que toutes les choses que je fais aient un sens, je dois sentir quelque chose derrière le sujet, y être attaché de quelque manière… Cette exigence, cette passion viscérale de l’expression, nous amène dans un univers burtonien où le monde manichéen se renverse pour mieux en interroger les frontières. En bouleversant gentiment le regard habituel que nous avons sur la société, il réalise des contes qui touchent à la mémoire collective, et ainsi peut-on le définir comme le Charles Perrault des temps modernes.

Le réalisateur, toujours vêtu de noir tel un prince de l’ombre tendance gothique, sait nous prendre par la main pour nous emmener, grands et moins grands vers nos intimes il était une fois. Dans Batman par exemple, il met en avant la double personnalité du héros. C’est quelque chose qui fait tellement partie de chacun de nous, qu’il me paraît simplement aberrant que les gens ne le comprennent pas consciemment. Tout le monde a plusieurs aspects à sa personnalité, personne n’est qu’une chose à la fois. Spécialement aux États-Unis, les gens se présentent souvent d’une telle façon, alors qu’en réalité ils sont totalement différents. Ce qui est très représentatif du personnage de Batman… confiait le réalisateur à Mark Salisbury co-auteur d’une autobiographie.

Ainsi cet asocial (“je crois que dès le début j’ai été contre la société” avoue-t-il à Salisbury) nous plonge dans des univers féeriques et étranges, un peu inquiétant car on ne saurait dire qui d’Adam et Barbara (Beetlejuice), d’Edward, de Catwoman ou de Batman est le plus vivant. Est-il plus normal de se travestir en femme pour diriger un film (Ed Wood) ou de se déguiser en chauve-souris pour sauver le monde ? “Parfois les gens me disent ” allez vous faire un film réaliste avec des vrais gens ? ” Mais pour moi les mots ” normal ” et ” réel ” peuvent être interprétés de mille manières différentes. Qu’est-ce qui est normal ? Qu’est ce qui est réel ? Je crois que la raison pour laquelle j’aime bien la forme des contes de fées -ou du moins l’interprétation que j’en ai, ce que je tire des contes de fées, des contes populaires et des mythes et légendes sont ces images essentielles, extrêmement intenses qui ont un au-delà ouvert à l’interprétation. Elles ont une signification même abstraite (…) J’aime quand il y a un certain symbolisme, une certaine dose d’abstraction aux choses. Je préfère de beaucoup être touché par quelque chose à un niveau inconscient que de l’intellectualiser.”

Cette confiance, ce laissez-aller vers l’abstraction, se retrouve dans toute la démarche artistique de Tim Burton. C’est parce que ses histoires et ses idées partent d’univers immatériels et nouveaux que le réalisateur s’entoure d’une équipe qui le comprendra parfaitement. Ainsi il rencontre les personnes qui construiront avec lui un projet commun. Sortes d’alter ego, il y a au sein de l’équipe du film une entente ineffable, une appartenance à une même planète créative. J’essaie de travailler avec des gens qui ont envie de faire la même chose que moi. Aujourd’hui encore, j’essaie de savoir si les gens veulent simplement faire le film parce que j’en fais partie, ou s’ils ont une réelle passion pour le projet.

Quand il rencontre Johnny Deep lors du casting d’Edward aux Mains d’Argent, il ne l’a jamais vu jouer. Cependant, tous deux ont un même langage, une même passion, des références communes, ce qu’ils découvrent dès leur première rencontre. Il faut que Burton ait une certaine affinité avec ses assistants. Pour les mêmes raisons, il préférera Michelle Pfeifer à Sean Young pour incarner Catwoman. Outre le fait qu’il lui trouve un naturel félin, il se sent proche d’elle, car tous deux ont vécu dans une ennuyeuse banlieue pavillonnaire. Pour créer la musique de la plupart de ses films, là encore il cherche un complice, qu’il trouve en Danny Elfman. Au moment de L’Étrange Noël…, tous deux travailleront en étroite liaison, écrivant les textes de chansons et la musique en deux mois d’intense travail afin de donner à ce conte un côté comédie musicale, recherché par Burton.

Ainsi ce grand timide, qui au début de sa carrière ne savait pas comment parler à son équipe autrement qu’en lui montrant des croquis de ce qu’il voulait faire, appris à communiquer. Frankenweenie, son premier film –et son troisième court-métrage- le plongea tout de suite dans un univers professionnel auquel il dut s’adapter. C’est là qu’il fit ses premières armes, qu’il dirigea pour la première fois des acteurs professionnels (Shelley Duvall…). Réalisé en 1990 et produit par Disney, ce film reprend le thème de Frankenstein : Un petit garçon habitant une banlieue tranquille, fait revivre son chien mort dans un accident de voiture. Aujourd’hui, toujours attentif au moindre détail, il va à la rencontre des gens pour être sûr que tout le monde est sur la même longueur d’onde. Dans le genre de film que je fais, il n’y a aucune base réaliste sur laquelle s’appuyer et il faut en l’occurrence tout recréer, ce qui passe d’abord par des discussions interminables, confiait-il à Laurent Vachaud et Michel Ciment.

Dès ses premiers projets, Tim Burton a une claire conscience de son savoir-faire, c’est un visuel, un dessinateur avant tout. C’est pourquoi, même si ses idées de départ sont très personnelles, il confie l’écriture de ses scénarios à une tierce personne, s’assurant sans cesse qu’elle saura retranscrire par des mots les croquis qu’il lui soumet. Pour moi faire un film se rapproche de la sculpture : vous commencez avec une idée, sans très bien savoir quelle forme tout cela va prendre, et ce n’est que progressivement que vous trouvez. J’aime ce ‘’work in progress ‘’.

Mené par la vie de ses personnages, il construit ses films autour d’eux. Ainsi il se souvient avoir eu d’interminables discussions pour Batman afin de trouver pourquoi cet homme enfilait un collant de chauve-souris afin de sauver le monde.”A chaque fois que je fais quelque chose, je commence avec le personnage. Batman aime le noir et veut rester dans l’ombre, c’est pourquoi l’action se passe en pleine nuit avec très peu de scènes de jour… Chaque élément doit supporter la psychologie du personnage, donc chaque décision que nous prenons est basée sur le personnage, conditionné par lui.”

Quelques soient les sujets de ses récits, il donne toujours priorité au côté visuel du film. A ce titre, son passé de dessinateur lui offre une base solide pour explorer ses idées graphiques et les mettre à l’écran. C’est pourquoi il permet aux acteurs de modifier un tant soit peu le scénario, une fois les costumes enfilés, et, le personnage cerné, ils ont en effet une idée plus précise de ce que, par exemple, un diable rejeté de l’enfer doit dire. De même en employant Michel Keaton sur Beetlejuice, il s’est rendu compte que l’improvisation pouvait apporter beaucoup au film, du moment que celle-ci était cadrée dans quelque chose de précis. C’est pourquoi il ne répète pas avec ses acteurs :”Je vais sur le plateau et j’essaie de ressentir la scène (…). Et parce que chaque chose en suggère une autre, il est difficile de s’en tenir à cent pour cent à ce qui est, jusqu’au moment où tous les éléments sont assemblés. Donc cela devient plus une histoire de dernière minute.”

Profitant au maximum de la situation présente, souvent fort différente quand elle est mise en espace, il ne “story-board” presque plus ses scénarios. Pourtant ce réalisateur méticuleux est loin d’être inconscient. Afin d’avoir assez de matériaux pour injecter à ses images ses effets spéciaux, et d’avoir la possibilité de réaliser les montages les plus fous, il tourne un minimum de six prises par plan.

Au fil de ce hasard contrôlé, il émaille sa filmographie d’interrogations récurrentes… la monstruosité, l’inanimé, la peur des choses aseptisées… Car Burton n’a jamais pensé comme les autres; les monstres il ne les voit pas là où tout le monde les imagine. Ainsi s’il adore les films d’épouvantes, les Godzillas, KingKong et Frankenstein qui ont bercé son enfance, il ne pouvait supporter de regarder Lassie Chien Fidèle le dimanche soir sous peine d’insomnies épouvantables. Adorant les animaux, il ne supportait pas de les voir en danger de mort. Il éprouve une forte empathie à l’égard des monstres. J’ai toujours eu l’impression qu’ils étaient mal perçus, ils avaient en général plus d’âme et de sentiments que les personnages humains qui les entouraient….

Ainsi les oppose-t-il aux êtres normaux. Ces derniers, censeurs et castrateurs, sont ignobles parce que responsables de leurs monstruosités morales. Condamnant l’anormal, ils peuplent les banlieues insipides et lorgnent derrière les rideaux repassés des petites maisons tranquilles, comme celles présentes dans Edward aux Mains d’Argent. “Grandir dans cette banlieue [Tim Burton est né le 28 août 1958 à Burbank une banlieue proche d’Hollywood] c’était comme grandir dans un lieu où il n’y avait pas de culture, pas de passions pour quoi que ce soit (…) Il n’y avait pas d’attachement de quoi que ce soit à quoi que ce fût. Vous étiez donc obligé de vous conformer à ce monde bien pensant et ainsi renoncer à une grande part de votre propre personnalité, ou de développer votre vie intérieure, ce qui vous mettait à l’écart de ce monde.

Pourtant, si Burton semble avoir opté pour la seconde solution, une sorte de mélancolie qui n’est pas sans rappeler la souffrance gothique, sourd de tous ses projets. Un chagrin face à la cruauté des juges : “Les gens sont souvent jugés d’après leurs apparences. C’est fascinant, cela a toujours été comme cela, et cela le sera toujours. C’est triste, parce que, du moins en ce qui me concerne, j’ai toujours eu la volonté de me lier aux gens – pas à tout le monde – mais à quelque personne…”
Amer face à ces parangons de l’American Way of Life, il les critique sévèrement dans la plupart de ses films. De Beetlejuice au plus loufoque Mars Attacks ! ou encore dans le portrait de cette jolie banlieue entourant le château d’Edward. Préférant ses personnages fantastiques, il se sert des humains comme faire-valoir. C’est notamment ce que beaucoup de critiques et de fans lui ont reproché à propos de Batman. Intrigué par la dualité animale de Catwoman et du Pingouin, il confine le héros dans une solitude ténébreuse, ce qui rend le personnage un peu fade.

Tourné vers la pratique et le côté artisanal des choses, il fustige les bien pensants qui jugent sans rien faire. A l’époque où il a fait un dessin animé d’inspiration japonaise pour Disney, il était entouré de personnes critiques à son égard : “Je me disais qu’il aille se faire foutre ! Faites quelque chose ! Vous avez peut-être raison, mais faites quelque chose ! J’aime quand les gens font des choses. Mais aujourd’hui il y a tant de gens qui attendent dans les coulisses, il semble y avoir plus de médias et donc plus de jugement et plus de gens qui ne font rien. Le monde semble s’être doté de plus de censeurs que de créateurs.”

Si les films de Tim Burton ont tous été de grands succès commerciaux, il n’en reste pas moins que ce réalisateur conserve une démarche artistique personnelle, ce qui n’a jamais simplifié ses rapports avec Hollywood : “Je n’ai jamais réalisé de film indépendant. J’ai toujours travaillé avec les studios. Du coup je me suis toujours senti dans une drôle de position (…) quand on bénéficie d’une certaine audience, il devient difficile de négocier. Pour Ed Wood, je devais sans cesse rappeler à mes interlocuteurs que j’étais rémunéré au tarif syndical, et que c’était un film à petit budget (…) sous prétexte que Batman a fait un tabac, on a tendance à me considérer comme une espèce de nabab hollywoodien.”
Grâce à ces retombées financières, il semble y avoir une sorte d’accord tacite entre les studios et Burton. Aucun des deux ne se comprennent mais chacun travaille pour le bien de l’autre : “Même si j’ai fait ma carrière grâce aux studios, je n’ai jamais vraiment l’impression que nous nous comprenions bien. Ils me regardent parfois avec une expression inquiète, se demandant ce que je vais faire.” Ainsi, quand Burton chercha à financer L’Étrange Noël de M. Jack, il du faire face à leur grande hypocrisie : “Tout le monde disait aimer le projet, mais pas assez pour le faire sur le moment. Je crois que ce fût ma première expérience avec la mentalité du show business… – un joli sourire et un ” oh oui, nous allons faire votre film ” mais quand vous poursuivez le projet, il devient de moins en moins concret.”

Pourtant Burton est loin de cet artiste planant au-dessus de toute considération financière et se battant pour faire exister son génie au mépris du capital. Très conscient des problèmes financiers qu’induit la production d’un long métrage, il se sent responsable de l’argent qu’on lui confie. Rappelons qu’il crée en 1989 sa société de production avec une ancienne journaliste, Denise Di Novi, qui l’aida à la production de la plupart de ses films. Grâce à cette structure il produisit notamment James et la Pêche Géante. Ce film d’animation, plan par plan, tiré d’une histoire de Roald Dahl est réalisé par Henry Selick, ce réalisateur qui s’était chargé de tourner L’Étrange Noël…
Ainsi le chanceux comme il se définit lui-même, mène sa barque aux travers des marécages des studios. Négociant les impératifs que lui fixent Disney ou la Warner il parvient toujours à se faire entendre tant bien que mal : “Je n’ai jamais pu prévoir le succès de tel ou tel film… mais j’essaie d’amener mon film là où il aura le plus de chance de parler aux gens.”

Quand on lui parle de sa carrière, il dit n’avoir jamais consciemment pensé devenir réalisateur : “Aujourd’hui encore, je me sens vraiment mal quand les gens me demandent comment je suis devenu ce que je suis devenu. Je n’ai vraiment pas de réponses. Il n’y a pas d’histoire me menant d’un point A à un point B. Je n’ai pas pris de cours. Cela a été une chance complètement surréaliste.”
On ne peut qu’apprécier cette sincérité et applaudir quand le réalisateur conclut après son sixième film : “J’aimerais continuer à tourner mais j’aimerais le faire avec la même attitude. Je n’avais jamais prévu de devenir un réalisateur, c’est pourquoi quand cela m’est arrivé, quand je suis tombé dedans, cela a été une expérience formidable. C’est pourquoi j’essaie toujours de rester ouvert à cette sensation.”

Bon, ceci relève de l’anecdote, mais en cherchant des infos sur Tim Burton, je suis tomé sur ceci :

Helena Bonham Carter pense que Tim Burton est un peu autiste

OK.. un peu racoleur comme titre

L’actrice qui vit en couple avec le réalisateur depuis longtemps a trouvé des similitudes entre lui et les autistes Asperger.

Helena Bonham Carter a rencontré des autistes pour préparer un téléfilm dans lequel elle joue une mère de quatre enfants souffrant de ce handicap. Elle a reconnu en ceux souffrant du symptôme d’Asperger de nombreux côtés de Tim Burton, son compagnon et réalisateur de Charlie et la Chocolaterie.

Elle déclare au journal anglais Evening Standard : “Tim va me tuer, mais en tournant ce drame, j’ai réalisé qu’il avait des côtés Asperger. J’ai commencé à reconnaître plein de signes. En plus, nous avons regardé un documentaire ensemble sur l’autisme et il me disait que c’était comme cela qu’il se sentait étant petit.” Elle raconte : “Par exemple, on peut dire quelque chose à Tim. S’il est en train de travailler, il n’entend rien. Mais son implication fait aussi de lui un père fantastique, il a un sens de l’humour merveilleux et plein d’imagination. Il voit des choses que les autres ne voient pas.”

source

Bon… C’est un potin, mais comme on a rien à se mettre sous la dent…

Lisa Marie a dernièrement accusé Tim Burton et son avocat d’avoir triché sur ses droits dans le contrat qui définissait les termes de leur séparation, en lui disant qu’elle devrait faire face à une pauvreté certaine si elle n’acceptait pas les conditions de Burton.
Lisa Marie, qui dit être fragile émotionnelle ment et sous médicaments, avait accepté.
Dans l’accord, Burton a donné à Lisa Marie la valeur marchande de leur appartement de Manhattan, sans tenir compte de l’”intense désir” de cette dernière de le garder.

Lisa Marie réclame maintenant à Burton de revenir sur sa décision et 5 millions de dollars supplémentaires ainsi qu’une aide financière pour le reste de sa vie.

Source

L’actrice a donné naissance au premier enfant du couple, qui n’a pas encore reçu de prénom, samedi à Londres, selon son agent Nicki Van Gelder. Helena Bonham Carter, 37 ans, et le réalisateur Tim Burton, 45 ans, se sont rencontrés sur le tournage du remake de “La Planète des Singes”.

CREDIT: (AP/Stuart Ramson)